¿Qué vamos a estudiar del tema? Aquí tienes el
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¿Qué vamos a estudiar del tema? Aquí tienes el esquema. 1.- Introducción. 2.- Las funciones de la música cinematográfica. 3.- La banda sonora. 4.- La evolución de la música en el cine:
6.- El cine musical. 7.- Los compositores españoles. En este tema vamos a ver la relación entre Música y Cine y los motivos que hacen de la Música un elemento esencial dentro del mundo del Cine. Para ello vamos a iniciar un viaje a través del tiempo que comenzará con el cine mudo y que nos conducirá hasta las grandes superproducciones cinematográficas de nuestros días. Ello te permitirá constatar la influencia decisiva que la música tiene en el éxito de alguna de las más grandes películas de la Historia del Cine.
La música cinematográfica, también denominada música incidental o música aplicada, puede ser clasificada en primer lugar como música diegética (integrada) o música no diegética o incidental (no integrada).
La música incidental es la que, por regla general, ocupa la mayor parte de la banda sonora musical de una película. Esta música puede ser original (B. S. O), es decir, compuesta especialmente para una determinada película. O no original, es decir, compuesta anteriormente con otra finalidad. Para ello se utiliza la música clásica. La música puede cumplir muchas funciones diferentes en el film, todas ellas profusamente utilizadas por el cine clásico. Distinguiremos tres categorías básicas: Función estructural. La música flexibiliza el espacio y el tiempo. Para apreciar el poder de la música para acelerar o ralentizar la acción no hay más que recordar la larga duración de los títulos de créditos de las películas, que sin música parecerían interminables. Otro ejemplo: la música aporta coherencia y naturalidad en el encadenamiento de fotografías fijas (un montaje con diapositivas, por ejemplo) o secuencias de imágenes muy breves o sin relación entre sí, que podrían parecer desarticuladas y caprichosas, pero que se perciben de manera integrada y fluida cuando se desarrollan sobre un mismo pasaje musical. Por todo ella la música es un valioso auxiliar a la hora de establecer el ritmo visual del film. Entre sus funciones habituales se cuentan:
Función narrativa. La música es también un poderoso auxiliar en la narración de una historia:
Función emotiva. Pero, aunque ciertos elementos descriptivos están presentes en la música de cine, la tarea de un compositor es también la de definir y acentuar la emoción de la imagen de muchas maneras diferentes. Entre las principales se encuentran:
Desde el nacimiento del cine en 1895 la música ha estado siempre presente, incluso en el cine mudo, ya que el cine sonoro surgió en 1926. La inclusión de la música en el cine mudo es debido, fundamentalmente, a dos razones:
Por estos dos motivos se recurrió al empleo de la música en el cine, de manera que se pensó que durante la proyección de la película, un músico o un grupo de músicos podían interpretar diversas melodías, al mismo tiempo que se proyectaba la película. De esta manera subrayaban los momentos más importantes, interpretando partituras de música conocida, aunque también solían improvisar. Así, dependiendo de la importancia de la sala, podíamos encontrar situaciones en las que intervenía una orquesta completa o proyecciones en las que únicamente aparecía un solo músico al piano, ya que sólo las grandes salas se podían permitir el lujo de pagar a una orquesta completa. En un principio, para acompañar las proyecciones cinematográficas se seleccionaban fragmentos de música clásica. Así, en distintos momentos se podían escuchar música de Mozart, Beethoven, Chopin, Wagner, Massenet, etc., que se interpretaban cuando se consideraban apropiadas a las escenas de emoción, alegría a drama que aparecían en las películas. Uno de los problemas que tenía la música que acompañaba a las primeras películas mudas era que carecía de una relación directa con el film que representaba, ya que en la mayoría de los casos o se empleaba una música preexistente, seleccionada del repertorio clásico, o se realizaba una música estandarizada para acompañar ciertas secuencias. Existían una serie de tópicos para la música que se incorporaba en algunas escenas: por ejemplo, si laescena trataba de una boda se escuchaba la Marcha nupcial de Mendelssohn o la de Wagner; la Marcha fúnebre de Chopin para los entierros o escenas fúnebres; la Canción de cuna de Brahms cuando había algún personaje dormido; redobles de timbal para escenas de muerte, de ejecuciones, etc.
Poco a poco fue surgiendo la necesidad de crear una música que fuese afín a determinadas películas, y no un simple ornamento, que tuviese fines expresivos. Los primeros intentos de realizar composiciones destinadas a una determinada película los realizaron dos compositores procedentes de la música clásica: C. Saint-Saëns (El asesinato del duque de Guisa) y M. Ivanov (Stenza Razin). Podemos decir que 1908 es el año del nacimiento de la música escrita con carácter cinematográfico, cronometrada en función de la duración de las secuencias. Con el paso del tiempo fue surgiendo una idea clara y definitoria de los que debía ser la música en el cine. A partir de 1914, la colaboración cine-música gana en calidad, surgiendo en 1916 dos compositores de música cinematográfica que tendrán gran repercusión en las décadas posteriores: Max Steiner y Darius Milhaud. Cuando en 1926 la productora americana Warner Brothers introduce el sistema sonoro (vitaphone) que permitía la grabación de las bandas sonoras musicales y los textos hablados en grandes discos que se sincronizaban con la acción de la pantalla, y sobre todo, cuando en 1931 surge un nuevo sistema (movietone) que permite grabar el sonido directamente en la película, en una banda lateral, hace que el cine sonoro pase a convertirse en un fenómeno social, donde la música se convierte en un elemento inseparable de la película. La primera película sonora es El cantor de Jazz en el año 1927, y aunque básicamente es muda, incorpora algunos pasajes hablados y cantados. No obstante las primeras películas sonoras en su integridad aparecieron en 1928 y fueron Las luces de Nueva York y Sombras blancas. Con el cine sonoro aparece también la figura del compositor musical para cine, y aunque al comienzo solía escribir música para el principio y el final de la película, con el paso del tiempo también fue creando música para algunas escenas concretas. Con la aparición del cine sonoro se irá creando progresivamente una música original para cada film. No obstante, al principio se seguía empleando en muchas ocasiones música clásica o popular, que era conocida por el gran público, realizándose adaptaciones para las diferentes secuencias. y Erich Wolfgang Korngold son las dos figuras claves de esta etapa. Se empieza a definir un método de composición basado en el leitmotiv, un motivo melódico muy reconocible asociado a cada personaje o hecho fundamental de la película, recurso que ya utilizaba Wagner en sus óperas.
Mientras Europa está envuelta en la Segunda Guerra Mundial, Hollywood ha conseguido que la industria cinematográfica sea una de las más prósperas de su país. Esta década se caracteriza en lo musical por una consolidación de la forma y los modelos compositivos de la época anterior. Aparecen nuevos compositores de talento que dan al cine una música de gran calidad, con lo que la banda sonora adquiera importancia propia dentro del proceso de creación de la película. Además, mejoran las técnicas de grabación y reproducción del sonido. Entre estos compositores podemos destacar a los siguientes: Alfred Newman. Fue responsable del departamento de música de la Fox durante más de veinte años. Compuso la banda sonora de casi doscientas películas y supervisó el trabajo del resto de compositores de la productora. Las músicas de “Cumbres borrascosas”, “Las uvas de la ira” (1940), “¡Qué verde era mi valle¡” (1941) y “La conquista del Oeste” (1962) son algunas de sus creaciones. Miklos Rozsa. De origen húngaro, compuso casi cien bandas sonoras. Destaca “El ladrón de Bagdad” y “El libro de la selva”; dos partituras llenas de colorido. En el primer caso, utiliza música de estilo oriental y, en el segundo, asigna instrumentos solistas a distintos animales de la selva. Bernard Herrmann. Posiblemente, el más respetado de todos los compositores cinematográficos. Comenzó a trabajar en la radio con Orson Welles, quien más tarde le solicitó la composición de la música de “Ciudadano Kane”. La sólida formación musical de Hermann le permitió trabajar en películas muy diferentes entre sí: “Ana y el rey de Siam”, “Las nieves del Kilimanjaro”, “Simbad y la princesa”, “Los viajes de Gulliver”. Colabora con Hitchcock y hace las bandas sonoras de muchas de sus películas: “Con la muerte en los talones”, “El hombre que sabía demasiado”, “Vértigo” o “Psicosis”, quizás una de sus obras más imitadas y apreciadas, por su inquietante y tensa música y por la fascinación que sigue causando el pasaje dedicado a la muerte de la protagonista en la ducha.
En las dos décadas siguientes a 1950, la música de cine pasa por un proceso de renovación, con la incorporación de estilos no sinfónicos a la música de cine. En primer lugar, el jazz y, posteriormente, el rock y otros estilos comienzan a utilizarse como música instrumental para crear la banda sonora de muchas películas. Además, comienza a implantarse la costumbre de crear una canción para los títulos de crédito iniciales, sobre todo tras el éxito de ventas obtenido con el tema compuesto por Tiomkin para “Solo ante el peligro”. Esto lleva incluso a que en muchos casos se acabe construyendo toda la banda sonora a partir de la melodía de la canción. Uno de los hechos más relevantes de los años cincuenta es la incorporación del jazz como música instrumental de la banda sonora. En algunos casos, se encargará la música a compositores jazzísticos, como Duke Ellington, quien compone la banda sonora de “Anatomía de un asesinato”, pero en general van a ser los propios compositores cinematográficos los que, cuando la película lo requiera, construyan partituras basadas en el jazz.
En Europa será el italiano Nino Rota el compositor más significativo de estas décadas. Su reconocimiento llega en los años cincuenta y sesenta, cuando colabora con Federico Fellini y Luchino Visconti. Integró la música popular italiana con la música sinfónica y creó un estilo propio y reconocible que también trasladó a sus obras para concierto. Son muy importantes sus composiciones para el director Fellini: “La dolce vita”, “Casanova” y, Sobre todo, “Amarcord”; y otros trabajos muy conocidos, como “El padrino” y “Romeo y Julieta”, quizás sus partituras más populares. Malcolm Arnold. Colaborador en varias ocasiones del realizador David Lean, para quien compuso una de las obras más “silbadas” de la música de cine, “El puente sobre el rió Kwai”.
La competencia con la televisión dio lugar a la producción de películas de gran espectacularidad y formatos de pantalla grande, como el cinemascope. Las bandas sonoras también engrandecieron las películas a las que acompañaban. Frente a la espectacularidad, la década de los sesenta se caracteriza por la incorporación de la música ligera al cine. En esta línea, es Henry Mancini el compositor más destacado y popular. En “Desayuno con diamantes” (1961), su música es elegante y sofisticada, fácil de recordar. Este método, consistente en usar diversos estilos populares del momento como eje sobre el que crear la banda sonora, lo utilizará en todo tipo de películas, desde “Hatari” a “La pantera rosa”, pasando por títulos como “Charada”, “El guateque”, “Víctor o Victoria” y “10 la mujer perfecta” En esta línea destacan otros compositores como Buró Bacharach, creador de “Dos hombres y un destino”, una de las bandas sonoras más vendidas. En Europa encontramos tres nombres fundamentales: John Barry. Alcanzará la popularidad con sus trabajos para la serie del agente “James Bond”. “Nacida libre” marca una de sus líneas de composición más reconocibles, con el empleo de la cuerda para crear tranquilas y relajadas melodías como en “Memorias de África” y “Bailando con lobos”. Georges Delerue. Inicia su carrera en Francia, sobre todo en buena parte de las películas de François Truffaut. Creador de partituras tranquilas, con predilección por las melodías, su música llegua de forma muy directa al espectador como en “Paseo por el amor y la muerte” Ennio Morricone. Es uno de los compositores cinematográficos más apreciados de todos los tiempos, y también uno de los más prolíficos, con más de cuatrocientas bandas sonoras que recorren todos los géneros cinematográficos, desde el drama a la comedia, pasando por el cine social y político, el cine de terror y, por supuesto, el western, para el que creó todo tipo de sonido que marcó su carrera en películas como “Por un puñado de dólares”, “La muerte tenía un precio” y “El bueno, el feo y el malo”. Su obra es muy extensa y compleja, y se reparte entre Europa y Hollywood, con películas de poco presupuesto y grandes superproducciones. Su música posee una calidad melódica y una capacidad para emocionar que podemos percibir en “Novecento”, “La misión” o “Cinema Paradiso”.
Al comienzo de la década de los sesenta nos encontramos con un panorama en la música de cine que no puede ser más amplio, pues se combina la música sinfónica con influencias de otros tipos de música y se amplían las posibilidades con la incorporación de canciones e incluso con el encargo de bandas sonoras a compositores de pop y rock de fama reconocida. Estos hechos tienen su precedente en Elvis Presley, quien protagonizó y cantó en una buena cantidad de películas, consiguiendo grandes resultados en taquilla a finales de los cincuenta y durante la década de los sesenta. En casi todos los casos estamos hablando de un cine comercial, de consumo rápido, alejado del cine tradicional, que sigue apostando por bandas sonoras orquestales y por la incorporación de nuevos jóvenes músicos a la labor de componer para las imágenes. John Williams. Puede considerarse el compositor más destacado de esta época y uno de los más notables de toda la historia del cine. A comienzo de los setenta inicia una etapa en la que pone música a grandes producciones, y encuentra un camino hacia la música sinfónica espectacular que le llevará hasta sus trabajos para la trilogía “La guerra de las galaxias”, lo que le convierte en el compositor más comercial e imitado del momento. Jerry Goldsmith. Es el segundo gran compositor de esta época, a la altura de Williams, o incluso por encima de el, pues ha demostrado una enorme capacidad para evolucionar y conseguir sorprender con cada nueva partitura. La lista de títulos con grandes bandas sonoras es larga, pero al menos hay que citar películas como “Star Trek, la película”; “Alien”, el octavo pasajero”; “Bajo el fuego”, “Poltergeist”, “Rambo”, “La casa Rusia”, “Instinto básico”, “El primer caballero”, “Desafío total” y “Mulan”.
Cada vez es más habitual encontrar canciones conocidas como reclamo comercial de las películas, lo que conlleva, en muchas ocasiones, una doble banda sonora: la que crean las canciones (a veces auténticos video-clips insertados en medio de la película) y la que se escribe especialmente para cada escena. Podemos citar varios nombres recientes: James Horner. Consigue convertirse en los compositores más comerciales, con títulos como “Titanic”, “Leyendas de pasión”, “Braveheart”, “El nombre de la rosa” o las dos entregas de dibujos animados de “Fievel” Alan Silvestri. También pone música a películas muy comerciales: “¿Quién engañó a Roger Rabbit?, “Tras el corazón verde”, “Forrest Gump” y la trilogía “Regreso al futuro”. Danny Elfman. Procede del mundo del rock, pero se convierte en poco tiempo en uno de los compositores más solicitados por la industria del cine. Suyas son las bandas sonoras de “Eduardo Manostijeras”, “Batman”, “Independence Day” y “Spiderman”. Hans Zimmer. Es un músico muy popular. Entre sus trabajos destacan: “El príncipe de Egipto”, “Marea roja”, “El rey león” o “Gladiador”
En 1929 se estrenó “The Broadway Melody”, película que incluía escenas cantadas y bailadas. Se considera el primer ejemplo de cine musical, y consiguió tal éxito, que en los siguientes años tuvo lugar una auténtica fiebre por este tipo de películas. Se pueden distinguir dos tipos de cine musical:
Tuvo gran éxito, en la década de 1930, películas protagonizadas por Fred Asteire y Ginger Rogers, quienes, acompañados por la música de Irving Berlin, Cole Porter o George Gershwin, presentaban magníficas escenas de baile. En los cuarenta y cincuenta, Frank Sinatra, Judy Garland y, sobre todo, Gene Kelly, Con “Un americano en París” y “Cantando bajo la lluvia”, protagonizaron algunas de las películas musicales más importantes de aquella época. El género comenzó a decaer en la década de 1950, pero se revalorizó hacia 1961 con “West Side Story” una versión musical y actualizada de Romeo y Julieta a la que puso música Leonard Bernstein. Desde los años sesenta, una serie de largometrajes tuvieron como protagonista la música de algunos de los grupos más importantes del momento, como “¡Qué noche la de aquel día”(The Beatles), “El muro” (Pink Floyd) o “Quadrophenia” (The Who). En las últimas décadas se han rodado algunos trabajos cuyo argumento es la propia música recreada históricamente: “Amadeus”, “El profesor de música”, “Farinelli”, “Todas las mañanas del mundo”…
Tres compositores destacados de las actualidad son: José Nieto, uno de los compositores más importantes de nuestro cine. Destacan sus músicas para las series de televisión “Pepe Carvalho”, “Teresa de Jesús” y “Los jinetes del alba”. En el cine, deja constancia de su capacidad para crear con distintos colores orquestales en películas como “El bosque animado”, “El rey pasmado”, “El maestro de esgrima”, “Días contados”, “El perro del hortelano” o “El caballero Don Quijote”, además de su colaboración con el realizador Vicente Aranda en “Amantes”, “La pasión turca”, “Libertaria”, “Juana la Loca”… Alberto Iglesias. Colabora con Julio Medem en “La ardilla roja”, Los amantes del círculo polar” y “Lucía y el sexo”, entre otras. Posteriormente trabajó con Pedro Almodóvar en “Todo sobre mi madre” y “Hable con ella”. Roque Baños. Ha sido el encargado de hacer la música de algunos de los títulos más comerciales del cine español. Son suyas las bandas sonoras de “Torrente, el brazo tonto de la ley”; “La comunidad”, “El corazón del guerrero” o “Segunda piel”. 
Años 40 Miklos Rosza Años 50 James Horner Años 60 Jerry Goldsmith Años 70 Nino Rota Años 90 Henry Mancini
Max Steiner La pantera Rosa Morricone Psicosis Bernard Herrmann Lo que el viento se llevó Miklos Rozsa Superman Johm Williams El bueno, el feo y el malo Henry Mancini Ben Hur
EXAMEN MÚSICA DE CINE. 4º NOMBRE ______________________________________ FECHA ______________
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