Ana səhifə

Solucionario a las pruebas de acceso a la universidad propuestas por las universidades andaluzas


Yüklə 0.82 Mb.
tarix25.06.2016
ölçüsü0.82 Mb.



SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS

Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla









SOLUCIÓN PRUEBA 6
OPCIÓN A
1. CLASIFIQUE Y COMENTE LA IMAGEN 1 A
Análisis

La lámina que estamos tratando nos presenta un amplio interior arquitectónico con numerosos personajes en diversas actitudes, ubicados dentro de una zona semicircular, debido a que está situada en la parte superior de un muro con forma de luneto.

En cuanto a la técnica empleada nos encontramos ante una pintura al fresco, cuyo soporte es el muro y nos presenta una superficie lisa, sin ningún tipo de empastos sobresalientes, con una pincelada bastante fundida.

El dibujo está muy presente, los contornos se nos muestran muy bien definidos, recortándose claramente los distintos personajes en el fondo.

Las figuras aparecen perfectamente modeladas, mediante los contrastes de luces y sombras y con las distintas matizaciones del color se consigue una perfecta tridimensionalidad. Podemos ver, sobre todo en los paños, contrastes suaves que nos recuerdan al esfumado leonardesco.

Con la luz, se crean los efectos volumétricos y se construye el espacio, dando vivacidad a la composición. Es una luz diáfana, clara y ambiental, que procede del vano del fondo, con un cielo abierto, y de la cúpula, ubicada en la zona superior. Desde ese foco central, se va repartiendo por toda la representación iluminando homogéneamente a los distintos personajes.

El colorido es brillante, rico y realista, se nos presenta con gran variedad de tonalidades y de matices, destacan los colores cálidos, amarillos, naranjas, rosados…, que contrastan con los fríos, como las distintas gamas de azules.

La representación espacial es muy importante, pues nos encontramos con un maravilloso estudio de perspectiva, con un punto de fuga central, situado en las dos cabezas de los personajes del centro y en la clave del arco del fondo. Las distintas figuras están perfectamente ubicadas, de manera simétrica, y con el tamaño que le corresponde según la distancia. El color y la luz también forman parte de ese espacio, pues las formas, con la lejanía, se hacen menos nítidas.

La composición es clara, equilibrada, armoniosa y monumental. Los distintos personajes se distribuyen ordenados en torno a un eje de simetría y forman un triángulo equilátero, cuyo vértice se encuentra en las dos figuras centrales, destacando la importancia de las mismas. Es interesante la isocefalia de los individuos ubicados en la franja del centro, que le da un cierto estatismo a la representación. El marco arquitectónico es también fundamental, pues le aporta grandiosidad a la obra.

La forma de expresión es figurativa, naturalista e idealizada. Los personajes se representan en distintos gestos y actitudes, llenos de gracia, vitalidad y dignidad, y a través de ellos se interactúa armoniosamente. Apenas hay representación de la naturaleza, salvo fragmentos del cielo, el espacio es inmenso pero está delimitado por construcciones arquitectónicas que nos recuerdan al mundo clásico, como si nos trasladara a la Roma imperial.


Comentario:

La obra se vincula al RENACIMIENTO, siglo XVI, a la escuela romana del Cinquecento, su autor es RAFAEL SANZIO, de su etapa madura, y pertenece al ciclo de pinturas murales hechas para las estancias vaticanas: en concreto La Escuela de Atenas, de la Estancia de la Signatura, que fue la primera en ser decorada.

El tema se centra en “la Verdad razonada”, pero no la representa por medio de una abstracción sino a través de una serie de personajes históricos: Dentro de un marco monumental y grandioso, que nos puede recordar a las construcciones romanas, incluso en las paredes podemos contemplar las esculturas de Apolo (dios de las artes) y Minerva (diosa de la sabiduría), o al proyecto de la basílica de San Pedro de Bramante, reúne a pensadores del mundo antiguo y del siglo XVI.

Las figuras se ubican gradualmente, formando diversos grupos presididos por los dos grandes filósofos clásicos: Platón (con el rostro de Leonardo), levantando el dedo y sosteniendo el Timeo, y Aristóteles, tendiendo su brazo hacia delante señalando hacia el suelo con su Ética en la otra mano, representando las dos doctrinas filosóficas más importantes del mundo griego: el idealismo y el realismo o empirismo. Junto a ellos aparecen otros personajes: Sócrates, conversando con un grupo de jóvenes, Zenon, Heráclito (con el rostro de Miguel Ángel), Diógenes, Euclides, Ptolomeo…

No es una obra aislada hay que verla en su conjunto, con el resto de la decoración de dicha estancia, que era la más destacada, pues estaba destinada a la firma y sello de documentos importantes.

En sus muros aparecen los cuatro caminos para alcanzar la verdad: Teología (La Disputa del Santo Sacramento), Belleza y Arte (Parnaso), Razón (Escuela de Atenas) y Derecho Civil y Canónico (Entrega de la Ley). En la bóveda tenemos representadas a la Teología, Poesía, Filosofía y la Justicia.

El artista pretende hacer una síntesis entre cristianismo-paganismo, modernidad-antigüedad y ética-estética.

Junto a esta estancia se realizaron tres más: E. de Heliodoro, E. de Incendio del Borgo y E. de Constantino. El proceso de ejecución fue el siguiente: 1º la de la Signatura, después la de Heliodoro, a continuación la del Incendio del Borgo, ya realizada con participación de ayudantes y por último la de Constantino, elaborada por sus discípulos pues le sorprende la muerte.

Rafael realizó otras obras importantes: En Perugia “Las tres gracias”. En Florencia, representaciones de la Virgen, como “La Madonna del Gran Duque”, “La Madonna Sixtina”. Y en Roma, a parte de “Las Estancias Vaticanas”, la decoración de “La villa Farnesina”, con “El triunfo de Galatea” y retratos, entre ellos: “El Cardenal”, “La Fornarina”…

Como todos los genios se apoyará en el estilo de sus predecesores y contemporáneos (Leonardo, Miguel Ángel…), pero los funde imponiéndole el sello de su propia personalidad, nacida bajo el signo de la proporción, de la medida y de la belleza ideal, con una capacidad creadora extraordinaria.

Finalmente, señalaremos que realizará su obra en el siglo XVI, en el momento en que Roma se ha convertido en la capital del arte, sustituyendo a Florencia. Es la época de los grandes genios, LEONARDO, MIGUEL ÁNGUEL y el mismo RAFAEL. Roma vivirá bajo los pontificados gloriosos de Julio II y León X, una auténtica edad de oro de las artes y este artista contribuirá en gran medida a ello, siendo muy estimado por sus contemporáneos y convirtiéndose en un personaje muy valorado en su momento y en la posteridad.

2. CLASIFIQUE Y COMENTE LA IMAGEN 2 A
Análisis:

Nos encontramos ante el exterior de una edificación de forma oval, de carácter monumental, que presenta tres cuerpos muy similares coronados por un ático de aspecto macizo.

El material es variado, las pilastras y los arcos son de travertino colocado sin argamasa. En las partes inferiores y en los sótanos se empleó la toba (piedra) en forma de sillares unidos por grapas metálicas, también se utilizó el ladrillo, por ejemplo en las arcadas. Las bóvedas se hicieron vertiendo argamasa de cemento directamente sobre cimbras de madera, innovación que aligeraba la construcción. Finalmente, las zonas más nobles y las gradas debieron estar revestidas de mármol.

Dentro de los elementos constructivos podemos señalar: El muro exterior que esta formado por la sucesión de vanos con arcos de medio punto, flanqueados por columnas, en los tres primeros pisos, sucediéndose de abajo arriba, los ordenes dórico-toscano, jónico y corintio; el cuarto piso es más macizo y presenta sillares con pequeños vanos rectangulares y pilastras adosadas. En cuanto a los soportes, no son visibles, vemos columnas y pilastras que parecen que tuvieran ante todo una finalidad decorativa. Los arcos son de medio punto y la cubierta debían ser bóvedas posiblemente corridas con arcos de refuerzos, distribuidos de trecho en trecho, dando una mayor resistencia y facilitando el fraguado del hormigón.



Los elementos decorativos, son ante todo arquitectónicos, columnas, pilastras, alternado los órdenes, ménsulas y la presencia de mármoles.

Las proporciones son colosales y en cuanto a la armonía, parece que el cuarto cuerpo añadido posteriormente la rompe. Sin embargo es notable la alternancia en el exterior del empleo de entablamento, y arco.


Comentario:

Nos encontramos ante una obra de arte romana, del siglo I, realizada en la época de Vespasiano y de su hijo Tito, de la familia de los Flavio, entre los años 70 y 80, el Anfiteatro Flavio, llamado también Coliseo, por la estatua del Coloso, que representaba a Nerón, situado en la plaza donde se levantaba este edificio. El ático fue añadido por Tito y Domiciano. Al contrario que muchos otros anfiteatros, que se situaban a las afueras de la ciudad, este estaba construido justo en el corazón de Roma.

Se realizó sobre el suelo de la Domus Aurea de Nerón, con 48 m. de altura, un aforo de 50.000 espectadores y 80 filas de gradas. La planta era elíptica y el subsuelo estaba formado por varias dependencias para el material y las fieras. Poseía un complejo sistema de trampas y montacargas, que permitían la parición de las fieras en el momento elegido. Se cubría con un toldo o velarium.

El acceso a las gradas se realizaba a través de puertas y corredores, vomitorios y escaleras..., dándole gran rapidez de desplazamiento.

El Coliseo se utilizaba para peleas de gladiadores y para muchos eventos. Normalmente la jornada se solía dividir en tres sesiones: por la mañana, venationes, cacería de animales (leones, panteras, hipopótamos, rinocerontes…) y enfrentamientos entre fieras salvajes; al mediodía, ejecuciones capitales de los condenados ab bestias, y, en tiempo de persecuciones, martirio de los cristianos; pero las representaciones más importantes se realizaban por la tarde, los combates de gladiadores. En circunstancias excepcionales se organizaban naumaquias o batallas navales, tras impermeabilizar el suelo y convertirlo en un estanque. El calendario anual de de festejos estatales tenía sus días fijos: el cumpleaños del emperador, las festividades de Apolo y de Júpiter. Pero también estaban los espectáculos, llamados munera, patrocinados por ciudadanos particulares para demostrar su poder e influencia y pedir el voto al pueblo en las elecciones municipales.

Las celebraciones duraban bastantes horas, para paliar el hedor de la sangre y de las fieras, se esparcía sobre los graderíos enormes cantidades de perfumes.

Para contrarrestar los efectos climatológicos contaba con una cubierta de tela desplegable accionada mediante poleas por medio de un destacamento de marineros de la flota romana. En la parte superior de la fachada se han identificado los huecos en los que se colocaban los 250 mástiles de madera que soportaban los cables.

Fue destruido parcialmente por los terremotos de los siglos XIII y XIV y sus piedras se utilizaron durante mucho tiempo para la construcción, principalmente en el Renacimiento... Pero su grandiosidad es tal, que a pesar de la labor destructora de los siglos, hoy se halla aun en pie, completo en su planta y buena parte de su alzado como uno de los monumentos más soberbios de la Roma Antigua. En la actualidad el 7 de julio de 2007 ha sido reconocido como una de las Nuevas 7 Maravillas del Mundo Moderno.

A lo largo del Imperio Romano se realizaron muchos otros anfiteatros, pero ninguno como este, entre ellos podemos señalar los españoles, de los cuales permanecen en pie doce de ellos, sobresaliendo el de Itálica. Los provenzales de Arlés y Nimes, se siguen utilizando como plaza de toros…

3. LA ESCULTURA Y LA PINTURA ROMÁNICA
El Románico surge en el marco de la Europa feudal y es el primer estilo internacional que se desarrollará durante los siglos XI y XII. Presenta una relativa unidad si tenemos en cuenta la división política, la economía cerrada y la vida esencialmente rural. En realidad esta unidad se vio favorecida por: el Cristianismo, que será la creencia religiosa fundamental de toda Europa; el feudalismo, con su sociedad dividida en estamentos, que en cierto modo explicará la aparición de determinadas construcciones: castillos, monasterios e iglesias y ,finalmente, la recuperación económica a partir del siglo XI, con el relanzamiento del comercio al finalizar la era de las grandes invasiones.

Las características fundamentales del arte de la imagen serán las siguientes:


  • La función docente: El principal papel de la escultura y pintura románica fue instructivo, pedagógico y aleccionador. El objetivo era que la población iletrada aprendiese las verdades de la salvación.

  • El marco generador de formas: Morfológicamente el marco engendra las formas, esto explicaría la ausencia de canon y la distorsión de las figuras.

  • Ubicación: Eran un revestimiento arquitectónico, por ello la escultura se desarrollaba preferentemente en los tímpanos abocinados y en los capiteles y la pintura en el ábside.

  • Temas: Preferentemente de contenido religioso, basados en los textos bíblicos (Antiguo y Nuevo Testamento), los evangelios apócrifos, las leyendas hagiográficas (vidas de santos), los bestiarios…

Los más frecuentes serán: Cristo en Majestad, como Juez Supremo, PANTÓCRATOR, con el Tetramorfos, dentro de la almendra mística y acompañado por los 24 ancianos. El tema principal a veces se completa con la resurrección de los muertos, el peso de las almas, el premio a los buenos y el castigo a los malos. También, escenas de la vida de Cristo y de la Virgen, MAISTAS MARIAE y temas profanos: Trabajos, calendarios, estaciones...

En la escultura exenta nos encontraremos con dos representaciones básicas: CRISTO CRUCIFICADO, rígido, con cuatro clavos, inexpresivo, vivo, ojos pronunciados y vestido. VIRGEN SEDENTE, como trono del Niño, sin ningún tipo de comunicación.



  • Las imágenes: Son planas, rígidas y muy intelectualizadas. Se organizan en esquemas geométricos: triángulos, rombos, cuadrados... Son estereotipos, normalmente al servicio de un mensaje, se exageran ojos, cabezas y manos, que se deforman. Son por tanto antinaturales e ingenuas.

  • La escultura: La talla de la piedra es plana, además de relieves hay estatuas exenta, realizadas en piedra, madera, marfil... Frecuentemente policromadas.

  • La pintura: Predomina la mural, al fresco, a veces con retoques de temple. Los colores son planos e intensos. El dibujo es importante, delimita los contornos y las zonas interiores de las figuras. Carece de modelado y de perspectiva y el paisaje es casi inexistente. También nos podemos encontrar algo de pintura sobre tabla, generalmente frontales de altar y miniaturas.

Los conjuntos escultóricos franceses junto con los españoles, son los más ricos que se conservan.

En Francia:

- La Magdalena de Vézelay: Con una iconografía muy discutida, algunos autores señalan que se trata de la escena de Pentecostés, mientras que otros piensan que es una missio apostolorum, escena en la que San Pedro y San Pablo ponen a los apóstoles a los pies de Cristo. Las figuras poseen un canon bastante alargado y los pliegues de los ropajes, muy finos y concéntricos.

- San Lázaro de Autun: Realizada por el maestro Gislebertus. En el tímpano se representa el Juicio Final con Cristo rodeado por los condenados y los elegidos.

- Santa Fe de Conques : También nos encontramos con el Juicio Final, en el centro tenemos Cristo, sedente, con el brazo levantado señalando el cielo, premio de los justos, y con el izquierdo hacia abajo indicando el infierno, de los pecadores.

- San Pedro de Moissac: En ella aparece la visión apocalíptica, según se lee en el Apocalipsis de San Juan. En el centro está Cristo rodeado del Tetramorfos y dos ángeles muy estilizados llevando el rollo de las plegarias; el resto del tímpano está ocupado por la representación de los 24 ancianos del Apocalipsis.



- La región de París: Conserva el Pórtico Real de Chartres, en las jambas tenemos figuras rígidas y de canon muy largo, a manera de esculturas-columnas, y mantienen una serenidad y una dulzura que anticipa el humanismo del gótico, aunque carezcan del sentido de la relación entre ellas que se exhiben en Santiago de Compostela.
En España:

- El Claustro del Monasterio de Silo: La decoración relivaria se centra en los capiteles y en los ángulos, donde se representa: la duda de Santo Tomás, Ascensión, Pentecostés, Santo Entierro…

- El apostolado de la Cámara Santa de Oviedo: Los fustes de las columnas están recorridos con figuras emparejadas, que inician una relación mediante la ligera torsión del cuerpo y los gestos de las manos, la humanización se completa con la amabilidad de los rostros y su individualización. Nos estamos acercando al gótico.

- Pórtico de la Gloria de Santiago de Compostela: Obra escultórica de transición del románico al gótico, siglo XII. Fue seguramente diseñado por el maestro Mateo, al que el rey Fernando II encargó su finalización, pero en su ejecución participaron varios escultores, todos de alta calidad. En el tímpano del arco central, Cristo muestra sus llagas entre 4 ángeles, que llevan los instrumentos de la pasión, y una multitud de figuras que representan al pueblo cristiano. En la arquivolta, los 24 ancianos del Apocalipsis dirigen su mirada al Salvador en actitud de alabanza. El parteluz nos muestra la imagen del apóstol Santiago sobre una columna, en la que crece el árbol de Jessé (la genealogía humana de Cristo). Finalmente, las columnas, situadas a ambos lados, representan a la izquierda los profetas Jeremías, Daniel, Isaías y Moisés y a la derecha los apóstoles Pedro, Pablo, Santiago y Juan.
Con relación a la pintura nos centraremos en España y nos podemos encontrar con dos escuelas:

Escuela catalana:

- Iglesia de San Clemente de Tahull: Se representa al Pantocrátor (Maiestas Domini) con El Tetramorfos, acompañado de la Virgen y algunos apóstoles, se completa con la mano de Dios y el Agnus Dei. Responde a la tradición bizantina: el ábside se reserva a Dios.

- Iglesia de Santa Mª de Tahull: Se representa a la Virgen en la forma de Maiestas Mariae o trono de Dios, con el Niño sentado en sus rodillas (Teotokos bizantina), está acompañada por los tres Reyes Magos, el tema se inspira en un Evangelio apócrifo.

Escuela castellana:

- El Panteón de los Reyes de San Isidoro de León: Tiene el mismo espíritu de los hipogeos egipcios y además ofrecía al artista problemas de iluminación y de superficie, ya que está cubierto con bóvedas de aristas. Entre los temas representados destaca la Anunciación de los Pastores, la más famosa por su ingenuo sabor bucólico.

.
4. LA ARQUITECTURA BARROCA EN ITALIA: BERNINI Y BORROMINI


El adjetivo “barroco” designa a la cultura artística del siglo XVII, que acabará prolongándose al siglo XVIII. Este movimiento nacerá en Italia y de ahí se extenderá a muchos países europeos, llegando, incluso, hasta América.

El Barroco es la época de la Contrarreforma, con el Concilio de Trento; de las monarquías absolutas, donde el arte se pondrá a su servicio; del racionalismo cartesiano; pero sobre todo es un momento de crisis, que traerá consigo un sentimiento de inseguridad que acabará reflejándose en el arte.

Centrándonos en la arquitectura podemos decir que será la principal manifestación artística y que utilizará un lenguaje rico, libre, lleno de fantasía y movimiento.

Como características fundamentales podemos señalar: Los materiales, serán la piedra, el ladrillo, el estuco… y con frecuencia se disimulan. Como elementos constructivos tendremos los muros, con un carácter dinámico, acabarán ondulándose; las columnas, las clásicas y las salomónicas; las estípites; los arcos, de formas variadas: medio punto, elípticos y mixtilíneos; las cubiertas, preferentemente abovedadas, las cúpulas tendrán un interés especial y pueden ser semiesféricas o elípticas. Los elementos decorativos desbordaran lo constructivo, serán muy abundantes y de formas variadas: columnas, pilastras, estípites, relieves, esculturas de bulto redondo, pinturas…

La arquitectura barroca italiana va atener dos artistas fundamentales Bernini y Borromini, que aunque perteneciendo a la misma época manifestarán aspectos muy distintos. Bernini respetó, en cierta medida, las reglas del clasicismo, la fantasía de Borromini inventó nuevos elementos. Bernini utilizó preferentemente el mármol, Borromini fue un arquitecto más barato y empleó el ladrillo y el estuco. Bernini realiza espacio naturales abiertos, con curvas y contracurvas diáfanas, Borromini sus espacios son artificiales y reducidos.

BERNINI

Nació en Nápoles, ciudad en la que su padre, Pietro Toscazo, trabajaba como escultor. Al poco tiempo se trasladó a Calabria y posteriormente lo veríamos en Roma ya con un talento precoz.

Se nos va a presentar como un genio perfecto, con envidiables cualidades y gran éxito, sus realizaciones abarcarán el campo de arquitectura y de la escultura. Tuvo como clientes a papas (Inocencio X-Alejandro VII), reyes (Luís XIV), aristócratas (familia Chigi) y a la poderosa Compañía de Jesús.

Como características fundamentales de su obra podemos señalar:

- Es un gran admirador de Miguel Ángel y continuará su obra en el Vaticano: San Pedro.

- Utilizará el lenguaje clásico pero con soluciones nuevas.

- Tratará la arquitectura como una escultura, logrando una perfecta relación entre ambas.

- Preferencia por las plantas centralizadas: cruz griega, círculo y elipse.

- Usará el orden gigante en el exterior.

- Fusión del espacio natural con el urbano: Utilizando fuentes como instrumento de articulación.

En cuanto a sus obras fundamentales podemos señalar las siguientes: En primer lugar trabajará en el Vaticano realizando el Baldaquino de San Pedro, un movido palio de bronce, sobre cuatro columnas salomónicas, situado bajo la cúpula de la basílica para conmemorar que allí se encuentra la tumba del apóstol. En el ábside ubicará la Cátedra de San Pedro, relacionada con la silla que usó como primer obispo de Roma. Y, finalmente, con la Columnata de San Pedro Bernini va a realizar una de las plazas más impresionantes de occidente, trazando dos amplísimos tramos desde los extremos de la fachada, dando la sensación de unos enormes brazos que acogen a los fieles, como imagen simbólica de la Iglesia que abraza a sus hijos.

Pero la obra arquitectónica de la que se sentía verdaderamente satisfecho era la de Sant Andrea al Quirinale, es una pequeña iglesia para la Compañía de Jesús de planta elíptica, con fachada de inspiración clásica y un pórtico que nos recuerda al Panteón de Agripa, en ella empleará de una manera más libre los elementos arquitectónicos. La tensión entre líneas cóncavas y convexas le dará un fantástico dinamismo.


BORROMINI

De carácter violento, inquieto, solitario y con un final atormentado.

Sin embargo, llegó a tener una reputación de honesto y poco interesado en las riquezas materiales, dando espacial relevancia a la plena libertad de diseño, negándose a copiar características y elementos estilísticos en sus proyectos. Su clientela se encontraba entre las órdenes religiosas más humildes: los filipenses, los franciscanos…

Opuesto al anterior tiende al desequilibrio y al movimiento, consiguiéndolo:

- Ondulando entablamentos y cornisas.

- Retrayendo y haciendo sobresalir el muro.

- Utilizando el orden gigante.

- Con formas nuevas en los capiteles.

- Elementos góticos: arcos mixtilíneos y bóvedas nervadas.

- Planta central.

- Dinamismo en los espacios.

- Uso de la luz.

Los materiales que utilizará serán modestos pero con gran inventiva.

Como obras fundamentales podemos señalar: El Complejo arquitectónico en Quattro Fontane, encargado por los trinitarios españoles, realizará un convento, un claustro y sobre todo la pequeña Iglesia de San Carlo, llena de novedades, con una fachada ondulante que denota gran dinamismo y una planta oval bajo una cúpula también oval. Otra de sus obras será el Oratorio de San Felipe Neri, concebido como una sala de audiciones. Finalmente, podemos indicar la Iglesia de Sant Ivo alla Sapienza, con una estructura que muestra un esquema de estrella de seis puntas, o la de Sant Andrea delle Fratte.



OPCIÓN B


  1. CLASIFIQUE Y COMENTE LA IMAGEN 1 A


Análisis:

Nos encontramos ante una pintura de tema mitológico, el mito de Aracne, pero llevado a la vida cotidiana. En cuanto a la técnica sería un óleo sobre lienzo, en el que podemos distinguir una pincelada esquemática, de gran fluidez y que se hace cada vez más suelta a medida que se profundiza en el cuadro (podemos señalar como ejemplo a la mujer del centro con sus rostro inacabado), con una textura lisa, pues no se denotan empastes gruesos. Las figuras se modelan con la presencia del claroscuro y las distintas matizaciones del color. La luz, juega un papel muy importante y presenta varios planos, primer plano iluminado, segundo penumbra y finalmente se vuelve a iluminar la habitación del fondo, que aviva los colores del tapiz. Presenta una gran variedad cromática, los colores del fondo son ligeros, etéreos, mientras los del obrador dominan los rojos, azules, verde y negro, así como los grises de las paredes. La perspectiva, a parte de la lineal, maravillosamente lograda, a través del suelo y los escalones; la más interesante sería la aérea, el aire envuelve a las figuras y las de los últimos planos las desdibuja, podemos verlo en la obrera del centro, los rasgos de su cara están totalmente desdibujados, lo mismo ocurre con las figuras del fondo, mientras las de los primeros planos se distinguen a la perfección, con gran minuciosidad de detalles. En cuanto a la composición, el cuadro tiene como dos partes, la mas próxima al espectador y un fondo, en la primera vemos a 5 obreras, en el primer plano a una anciana hilando en una rueca, que podría ser Atenea disfrazada, a su lado hay otra, más joven, sentada de espalda al espectador, que podría ser Aracne, las tres restantes se repartirían a derecha, a izquierda y en el centro; al fondo vemos una estancia de piso realzado, donde otra mujer y un personaje cubierto con un casco conversan haciendo grandes ademanes, serían de nuevo Aracne y Atenea; detrás de ellas se ve representado un tapiz que narraría el rapto de Europa, según un cuadro de Tiziano, las otras 3 mujeres, serían jóvenes lidias que estarían admirando el arte de su compatriota. Se ve un contraste social entre los dos planos, mundo de ricos y de pobres. También podemos señalar que las mujeres de ambos estarían inscritas en sendos círculos. La forma de expresión es figurativa, naturalista y realista, y esa realidad se percibe tanto en los objetos como en la representación de los personajes.



Comentario:

La obra que hemos analizado pertenece al Barroco español, s. XVII, dentro de la corriente del realismo y su autor es Diego Rodríguez de Silva Velázquez y es conocida como Las Hilanderas. Cuyo tema ya hemos apuntado es de carácter mitológico, pero representado dentro de una escena costumbrista. Está basado en la fábula de Atenea y Aracne que se describe en Las Metamorfosis de Ovidio. Una joven lidia, Aracne, retó a la Diosa Atenea, inventora de la rueca, a tejer el tapiz más hermoso. La escena del primer término retrataría a la joven, a la derecha vuelta de espaldas trabajando afanosamente en su tapiz. A la izquierda, la Diosa Atenea, que finge ser una anciana, añadiendo falsas canas a sus sienes. Sabemos que se trata de la Diosa porque, a pesar de su aspecto envejecido, Velázquez muestra su pierna, de tersura adolescente. En el fondo, se representa el desenlace de la fábula. El tapiz confeccionado por Aracne está colgado de la pared, frente a él se aprecian dos figuras, la Diosa, ataviada con sus atributos, como el casco y la humana rebelde que viste un atuendo de plegados clásicos. Están colocadas de tal manera que parecen formar parte del mismo. Otras tres damas contemplan cómo la ofendida Diosa, en señal de castigo, va a transformar a la joven en araña, condenada a tejer eternamente.

También podría tratarse de una apología de las Bellas Artes, que demostraría la superioridad de la pintura sobre la artesanía.

El momento histórico en el que se realizó esta obra es del Barroco, etapa de conflictos en Europa y en nuestro país la situación se presentará bastante crítica:

a) Reinaran los últimos Austria, los llamados menores: Felipe III, Felipe IV y Carlos II, que se alejaran de las arduas tareas del gobierno y las dejarán en manos de sus valídos, como el Duque de Lerma, Olivares...

b) Situación de crisis política y económica: Epidemias de peste, crisis agrarias y agotamiento demográfico, todo esto se reflejará en el mundo del arte.

Centrándonos en nuestro artista sabemos que nació en Sevilla, presentó una maestría suprema y abarcó todos los géneros pictóricos: bodegones, fábulas, retratos, paisajes… Su formación es posible que se iniciara con Herrera el Viejo pero a los 12 años ya estaba con F. Pacheco y a los 18 era maestro: niño prodigio.

Su arte es hijo del naturalismo del barroco. Pero Velázquez no le gustaba contemplar la realidad desde ese ángulo trágico tremendamente realista, que lo hacen algunos artistas de de este periodo. Se acerca a ese mundo real, pero sabe mantenerse a distancia y aunque presenta sus lacras, lo hace de manera que no provoca rechazo.

Dará sus primeros pasos en el tenebrismo, pero acaba abandonándolo, pues llega a la conclusión que la luz no solo ilumina los objetos, preocupación fundamental de los tenebristas, sino que nos permite ver el aire interpuesto entre ellos, y cómo ese mismo aire hace que las formas pierdan precisión y los colores brillantez y limpieza. En suma se dará cuenta de la existencia de lo que llamamos perspectiva aérea y se lanza a conquistarla.

Al abandonar el tenebrismo aclara su paleta y deja los colores opacos y oscuros de su juventud. El conocimiento de las colecciones reales le pondrá en contacto con Rubens y en su viaje a Italia conocerá el colorido veneciano, pero no el cálido de Tiziano sino el mas frío y plateado de Veronés y Tintoretto.

En su obra podemos distinguir varias etapas:

1ª ETAPA: PERIODO SEVILLANO

Se basará en la copia del natural, de factura lisa, tonos terrosos, dibujo preciso y modelado compacto, con un tenebrismo caravaggiesco. Se interesará por los temas de genero y utilizará muy pocos personajes, vulgares e individualizados. Como La vieja friendo huevos, El aguador de Sevilla…



2ª ETAPA: E. MADRILEÑA

Hacia 1630, tras familiarizarse con las pinturas venecianas del Escorial y regresar de Italia, se advierte un cambio de rumbo en su estilo que ya tímidamente apuntaba en Los Borrachos, en la que interpreta el mundo mitológico a su modo, acercándolo a la realidad. A este periodo pertenecen también La fragua de Vulcano, La rendición de Breda, El Príncipe Baltasar Carlos, La Venus del espejo…



3ª ETAPA: RECTA FINAL

La recta final de su vida se saldará con dos obras maestras: Las meninas (La familia de Felipe IV), es una escena familiar, sorprendida en un momento determinado como una instantánea fotográfica, que logra traspasar las barreras del propio lienzo adentrándose en el mundo del espectador, gracias a la naturalidad que preside la escena y a la espontánea actitud de los personajes, que parecen sorprendidos por los pinceles del pintor en un momento vivo y casual de su existencia. Y Las Hilanderas, obra que ya hemos comentado.


2. CLASIFIQUE Y COMENTE LA IMAGEN 2B
Análisis:

El cuadro nos presenta la vista de una población y sus alrededores en una noche estrellada. Es un óleo sobre lienzo, las pinceladas son gruesas, vigorosas, sinuosas y se presentan formando haces paralelos que se convulsionan y se retuercen sobre si mismos, con la intención de acrecentar la sensación de movimiento. La línea aparece con un trazo negro y grueso, delimitando las viviendas, las montañas e incluso el inhiesto ciprés que se eleva en el primer plano. El volumen no es una preocupación primordial, los colores son planos a imitación de las pinturas japonesas.

La luz sí es importante, estamos ante la representación de un nocturno puro, la luz artificial es casi nula, donde el vértigo de las estrellas parece devorar la oscuridad, dando a la obra un resplandor fosforescente. El colorido es maravilloso, nos encontramos ante una auténtica explosión de color, los amarillos, anaranjados, verdes, azules cobalto e incluso el negro, símbolo de la noche, están presentes. El sentido del espacio, la profundidad, viene marcada por los cipreses llameantes del primer plano, que marcan las distancias entre ellos y la población que se divisa a lo lejos.

En cuanto a las formas de expresión son figurativas, naturalistas, pero con un realismo deformado en aras de conseguir una gran expresividad.


Comentario:

Estamos ante una representación postimpresionista de finales del siglo XIX, perteneciente a Vicent Van Gogh, conocida como La Noche Estrellada, que se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Fue pintada durante su estancia en el hospital psiquiátrico de Saint Rémy-de-Provence y refleja todo el drama del hombre ansioso de comunicación y de integración en la naturaleza.

Como indicamos anteriormente es un nocturno auténticamente puro y cabría preguntarse que ocurriría en el alma del pintor para que sintiera la necesidad de refugiarse en la infinita negrura de la noche. Parece ser, que los momentos en que vive angustiado por su enfermedad se traslucen en esta obra y vemos como si el mundo se cerniera amenazador sobre el artista. Es como una visión apocalíptica, donde las nebulosas y las estrellas son arrastradas por un pavoroso frenesí.

Además, el cuadro incorpora otro de sus temas favoritos, los cipreses, con su ímpetu ascensional, de formas llameantes, que dan sensación de apoyo y de unidad. Su dinamismo vertical es el contrapunto a la vorágine horizontal de las estrellas, y gracias a estos cipreses el cielo alcanza su profundidad y su verdadera dimensión. Es como una llamada de amor hacia Dios, como una súplica, y parece buscar a través de ellos la vía de comunicación con el Supremo Hacedor.

El momento histórico en el que vivirá Van Gogh tendrá unas connotaciones diferentes, que se verán reflejadas en el mundo del arte, especialmente en la pintura: generalización de la fotografía, que influirá en los encuadres; el uso de la luz artificial, también influirá en muchos pintores y la incomprensión social de una sociedad todavía burguesa, y academicista, incapaz de entender las nuevas obras de arte.

Centrándonos en el artista, podemos decir que es el pintor del siglo XIX que mayor entusiasmo provoca en nuestra sociedad actual. Fue un prodigio de potencia y fertilidad creadora. Vivió 37 años, pero únicamente los 9 últimos los pasó dedicado a la pintura, dejando al suicidarse 879 cuadros. Su existencia supuso una constante búsqueda de su propia identidad, difícilmente separable de su obra. Su biografía es conocida por las cartas que escribió a su hermano Theo y a otros artistas.

Admiró a los pintores realistas y su pintura evolucionará de ese realismo a un arte en el que el sentimiento es simbolizado por el color.

Como características fundamentales de su arte podemos señalar:

- Es un apasionado del color, como ya hemos indicado, en su caso es el principal vehículo para expresar las depresiones y angustias que padeció. Sus colores son vivos e intensos y al mismo tiempo planos remitiéndonos a las estampas japonesas. También son agresivos en contrastes poco frecuentes (amarillo sobre naranja).

- Su pincelada es gruesa, sinuosa y vigorosa. Con ella también dibuja y perfila.

- Sus edificios y espacios interiores son inestables, como reflejos de su propia inestabilidad psíquica.

- Sus figuras presentan formas serpenteantes, flamígeras, que traducen su fuego interior.

- Su pintura tiene un contenido social, es un grito de un desposeído, de un rechazado por la sociedad.

En cuanto a sus obras podemos señalar entre otras: Los comedores de patatas, en la que nos refleja el ambiente mísero del mundo obrero; autorretratos, a través de ellos podemos adivinar su situación sicológica y su evolución artística; Los girasoles, han dejado de ser simples flores para convertirse en masas ardientes, pura energía y luz; El Cuarto Amarillo, representa su cuarto de Arlés, todo depende del color y sugiere idea de reposo, que debe proporcionar descanso a la mente; La Iglesia de Auvers, impresiona ese azul cobalto del cielo que semeja envolver la arquitectura en la oscuridad de la noche y por supuesto La Noche Estrellada, considerada por los especialistas como uno de sus trabajos más importantes, aunque parece ser que el artista no la consideró así.

Finalmente podemos decir que algunos fundamentos de la pintura del siglo XX se encuentran apuntados en la obra del genio holandés. Se nos presenta como el precursor indudable de todas las corrientes expresionistas, desde los alemanes hasta el expresionismo abstracto de la segunda posguerra.

3. LA ARQUITECTURA GÓTICA: LA CATEDRAL Y LOS EDIFICIOS CIVILIES
La expresión estilo gótico procede del siglo XVI, fue creada por el historiador Giorgio Vasari con un cierto matiz peyorativo, como un arte bárbaro, de los godos, que se oponía totalmente a la armonía y la belleza del Renacimiento.

Cronológicamente se extenderá desde mediados del siglo XII hasta ya casi el siglo XVI, es decir, unos cuatrocientos años. Tan largo periodo podemos fragmentarlo en varias etapas: Protogótico (s. XII), Gótico Clásico (s. XIII), Gótico Radiante (finales s. XIII y s. XIV) y Gótico flamígero (s. XV).

En cuanto al panorama de la época podemos apuntar, que políticamente se producirá un progresivo afianzamiento de la monarquía frente al poder feudal, caminando hacia las formas autoritarias y a la aparición de estados nacionales. Desde el punto de vista económico se manifiesta en una sociedad urbana y burguesa favorecida por el despegue económico debido a la ampliación del mundo cristiano, a la roturación de nuevas tierras y al desarrollo del comercio, apareciendo la figura del mercader profesional con una gran fortuna, que encargará obras de arte. Culturalmente y religiosamente, se producirá la afirmación de la reforma cisterciense, con su figura más significativa San Bernardo de Claraval, y su espíritu de sencillez, vital y constructiva, dejando a un lado la grandiosidad y el lujo. También, surgirán nuevas órdenes religiosas, como los dominicos y los franciscanos, cuya misión es vivir la experiencia de la pobreza. Finalmente, el saber custodiado por los monasterios se traslada a las ciudades, donde se crean las universidades, destacando la figura de Santo Tomás de Aquino.

Nos vamos a encontrar, pues, con una civilización urbana y la expresión artística de esta nueva mentalidad será la catedral y el círculo de edificios públicos y privados que la rodean: universidad, lonja, ayuntamiento y palacio.

Nos centraremos, en primer lugar, en el edificio religioso por antonomasia: LA CATEDRAL. Es la iglesia mayor diocesana, en ella se asentará la cátedra del obispo y exaltará la gloria del prelado que la mandó construir; será la prueba de la alianza del clero con la monarquía, en ella se celebrarán bautizos, bodas y coronaciones reales; igualmente, se realizarán las reuniones civiles de los gremios y el pueblo llano rezará y se divertirá en su interior, con representaciones teatrales de Navidad y Semana Santa.

La catedral definirá la fisonomía de la ciudad gótica y dicha ciudad trabajó para la catedral; en ella se volcaron los esfuerzos ciudadanos, pagando impuestos, otorgando donaciones, incluso trabajando para la misma. También, será el centro visual de la ciudad y el símbolo de la Iglesia espiritual.

Los elementos formales que la configuran serán los siguientes: La planta basilical con tres o cinco naves, que a veces adoptará la forma de cruz latina y las naves laterales al prolongarse por el presbiterio darán lugar a la girola. El material será la piedra en forma de sillares bien tallados, utilizando ligaduras metálicas. Como elementos sustentantes tendremos en primer lugar el muro, que abandonará su carácter macizo y se convertirá en un elemento de cierre, muro pantalla, lo que le permitirá la apertura de grandes ventanales, vidrieras, con gran variedad de colorido. Los soportes serán de dos tipos, interiores, pilares fasciculados y exteriores, estribos o contrafuertes y arbotantes, que terminarán en pináculos. Como elementos sostenidos nos encontraremos, en primer lugar, con los arcos, fundamentalmente el ojival o apuntado, menos estático y con gran capacidad de transformación, y, en segundo lugar, con las bóvedas, siendo la más importante la de crucería, formada por cuatro arcos que delimitan el tramo y dos que se cruzan, y por paneles rellenos, la plementería; podemos distinguir varios tipos: la de crucería simple, sexpartita, estrellada y en abanico. La cubierta será a dos aguas, protegidas por tejas planas o láminas de piedra (pizarra). En el espacio interior, se alzan cuatro pisos: las arcadas, separando las naves, la tribuna, el triforio y los ventanales (claristorio); es una unidad espacial en dos directrices, vertical (ímpetu ascensional) y longitudinal (de progresión hacia el altar). El espacio exterior, destaca la fachada, con hermosos rosetones y suelen tener varias: en la de los pies, generalmente se alzan dos torres mochas o rematadas por agudas flechas. Las portadas suelen ser profundos pórticos y sus jambas, arquivoltas y tímpanos están decorados con personajes y escenas del Antiguo y Nuevo Testamento, con una clara finalidad didáctica, la parte central se dedica a Cristo o a la Virgen y las laterales a los apóstoles.

Como ejemplos de catedrales podemos centrarnos en las francesas y posteriormente veremos las españolas.

En Francia tenemos:

- Cat. De Chartres: Edificada sobre una románica que se incendió, es uno de los edificios más paradigmáticos, solo conserva de la románica la fachada principal del crucero y parte del campanario.

- Cat. De Notre Dame de Reims: Representa el ideal arquitectónico de la armonía gótica y el símbolo de la realeza francesa, en ella se coronaban los reyes. Los principales maestros fueron: los planos se debían a Jean de Orbais, Jean le Coup edificó el transepto e inició las naves, Gaucher de Reims las continuó y decoró las portadas y Bernar de Soisson realizó el rosetón, que parece una rueda de fuego y cuyo diseño radial da origen al término " rayonnant (radiante).

- Cat. de Notre Dame de Amiens: Los arquitectos que la dirigieron fueron Robert de Luzarches, Thomas y Renaud de Cormont. Su planta es semejante a la de Reims, su rasgo original sería el vaciado del triforio en la zona del presbiterio.

Cat. De Notre Dame de París: Su construcción fue iniciada en el siglo XII y concluida en el siglo XIII, en la fase radiante del gótico francés.

- Sante Chapelle de París: Construida por San Luís de Francia para dar cobijo a unas reliquias traídas de Tierra Santa, la corona de espinas, un trozo de la cruz y la lanza con la que le atravesaron el costado. Toda la iglesia se convirtió en un relicario en el que la luminosidad de las vidrieras hacia eco a los brillos del oro y la plata con que se revistieron los sagrados objetos allí guardados.

En España podemos encontrar:



- La Cat. De Toledo: Las obras la inició el Maestro Martín y continuó Petrus Petri. Es la más hispana de las tres por el uso de elementos moriscos: arcos lobulados…

- La Cat. De Burgos: El promotor de su construcción fue el obispo Mauricio, personalmente relacionado con la monarquía, Fernando III. En ella trabajó el Maestro Enrique y a su muerte le sucedería Juan Pérez

- Cat. De León: El famoso Maestro Enrique, que trabajó en la de Burgos, no intervino hasta estar bien avanzada la obra, habiendo sido precedido por otros arquitectos como el Maestro Simón.

En Italia el Gótico presentará características peculiares que las veremos plasmadas en las catedrales de Siena, Florencia, Orvieto...


En cuanto a los EDIFICIOS CIVILES, como ya hemos indicado se ubicaban dentro de los muros de la ciudad y cerca de las catedrales y eran los siguientes:

- Las universidades: Se inspiraban en los monasterios, con patios, que recordaban los claustros y rodeándoles estaban las aulas, bibliotecas y capillas. Podemos destacar las de Bolonia, París…

- Las lonjas: Eran edificios destinados a las transacciones comerciales y entre ellas destacaron la de Los Paños en Brujas, la de Valencia, Mallorca, y Barcelona.

- Los ayuntamientos: Eran espacios de expresión ciudadana, donde se reunían las corporaciones municipales que dirigían la política comunal. La clase burguesa se volcará en ellos y su belleza, en ocasiones, puede ser comparable con la de las catedrales. Como ejemplos podemos señalar: El Palazzo Vecchio de Florencia, El Palazzo del Comune de Siena…

- Las mansiones residenciales: El castillo dará paso al palacio en el que se desarrollarán progresivamente los aposentos de gran comodidad y suntuosidad. Estas viviendas estarán dotadas de almacenes, oficinas, salas de recepción, dependencias para la servidumbre y habitaciones confortables para los miembros de la familia. Unos buenos ejemplos serían La Ca d´Oro y El palacio del Dux de Venecia y El Hotel de Jacques Coeur en la localidad francesa deBourges.

4. LA ESCULTURA ITIANA DEL QUATTROCENTO: GHIBERTI Y DONATELLO
Los intelectuales del s. XV llamaron Renacimiento a la recuperación de los valores espirituales y formales de la antigüedad clásica, que habían desaparecido durante la Edad Media.

Su cuna será Italia y en determinados núcleos urbanos se desarrollará la nueva cultura: Florencia, Urbino, Mantua, Padua, Venecia y Milán durante le siglo XV. En la centuria siguiente el papel fundamental lo tendrá Roma.



Cronológicamente se desarrollará en dos fases: Primer Renacimiento o Quattrocento (s. XV) y Segundo Renacimiento o Cinquecento (s.XVI), con dos etapas, el Clasicismo y el Manierismo.

Centrándonos en la época podemos decir que a lo largo del siglo XV la civilización europea entrará en un largo proceso de enriquecimiento y expansión, acompañado de profundos cambios sociales, económicos y políticos y, en consecuencia, de un cambio de mentalidad, que cristalizará en el Renacimiento.

Tendrá lugar un amplio desarrollo de la circulación monetaria y de la actividad mercantil, que hará posible el crecimiento de una clase media urbana que demandará cultura y arte.

Se formarán en Europa estados poderosos, como Francia, España e Inglaterra. Por otra parte, estados no unificados, como Italia, que mantendrá la estructura de las ciudades-estado, algunas con gobierno autoritario y aristocrático, incluso con rivalidades comerciales, artísticas y bélicas.

Desde el punto de vista artístico podemos indicar que, a parte del gusto por el mundo clásico, se retorna a la medida del hombre, la visión antropocéntrica llevará a tener un especial interés por la representación humana, buscando la belleza y la armonía; será un periodo de individualidades, de genios, sobresaliendo numerosos artistas en diversos ámbitos, que contarán con el apoyo y la ayuda de personajes importantes de la época, los mecenas.

Centrándonos en la escultura señalaremos como características principales las siguientes: El material será variado, pero predominará el mármol y el bronce, logrando una gran perfección técnica. Las composiciones serán simples y geométricas, basadas en el equilibrio y en la proporción de líneas y volúmenes. El movimiento vendrá expresado en muchas ocasiones a través del contraposto. El color no siempre estará presente, en el mármol se potencia sus cualidades propias y en los bronces se añadirán pátinas. La forma de expresión será figurativa, naturalista e idealizada, presentando un gran interés por la belleza, la armonía y la proporción. Los temas se centrarán en el ser humano, se multiplicarán los retratos, tanto reales como heroicos, de cuerpo entero o de busto, ecuestres… Su función puede ser variada: religiosa, política o cívica, exaltando al estado o al individuo.

Los dos artistas que estamos estudiando pertenecen al Quattrocento, es decir, al s. XV y comenzaremos por GHIBERTI

Nacerá en Florencia, hijo y aprendiz de orfebre, y será un hombre polifacético, como buen humanista, fue arquitecto, escultor, pintor, comentarista de arte… En pocas palabras, la personificación del nuevo artista. Pero tenemos que señalar que mantuvo todavía rasgos, en su factura, que nos recordaran el estilo gótico.

Entre sus características más destacadas podemos señalar: propugnará el retorno a la escultura grecorromana; su técnica favorita será el trabajo en bronce, que lo hará con gran virtuosismo; esculpe como si fuera un pintor, especialmente el relieve, pues utiliza la técnica del schiacciato o aplastado, de esta manera tratará magistralmente la profundidad, el paisaje y los detalles.

Sus esculturas traslucen una elegancia lírica acompañada de una perfección técnica, así como un interés por la sencillez clásica. En sus primeros trabajos se observan todavía numerosas reminiscencias góticas, pero conforme va avanzando el siglo XV va desarrollando sus nuevas ideas de corte renacentista con mayor intensidad, como se desprende de una observación de la evolución de su obra, que va tendiendo hacia una representación más naturalista del movimiento, el volumen y la perspectiva, así como una idealización mayor del tema.

En cuanto a sus obras más significativas podemos señalar las siguientes:

- Segundas puertas del Baptisterio de Florencia: Ganará el concurso para su ejecución compitiendo con Brunelleschi. Debía ajustarse al modelo gótico establecido en el siglo XIV por Andrea Pisano, cuando realizó las primeras puertas. Las fragmentó en 28 tréboles de 4 hojas y desarrolló en ellos 20 escenas del Nuevo Testamento, más 8 imágenes de los evangelistas y doctores de la Iglesia, que las situó en el zócalo. Fue ayudado por dos jóvenes auxiliares: P. Ucello y Donatello. Para el concurso de adjudicación tuvo que realizar un relieve sobre el Sacrificio de Isaac.

- Terceras puertas para el Baptisterio de Florencia: Tardó unos 20 años en realizarlas. Suponen la asimilación de los planteamientos clásicos. Los cambios afectan al diseño, al tratamiento técnico del relieve y a las fuentes de inspiración. En la subdivisión de las hojas opta por 10 espacios cuadrados, que permiten tratar con mayor amplitud las escenas del Antiguo Testamento seleccionadas. Adoptará las perspectiva lineal de P. Ucello y los efectos de profundidad de Donatello, mediante la técnica del schiacciato o aplastado. Finalmente en los marcos representará reproducciones de esculturas griegas, festones de flores, frutas y animales mostrando su interés por la Antigüedad y la naturaleza.

- Esculturas para la Iglesia de Or San Michele: Realizará las imágenes de San Juan Bautista y San Mateo, patronos de los tejedores y de la casa de la moneda.

Pero el escultor más influyente del siglo XV sería DONATELLO, considerado por sus contemporáneos como un genio y se le llegó a equiparar con Miguel Ángel y Bernini. Trabajará en el taller de Ghiberti, conociendo la fundición del bronce.

Su producción presentará 3 características fundamentales:

- Dominio de todas las técnicas y materiales.

- Profundidad psicológica con que expresa los sentimientos humanos.

- Una imaginación creadora para definir: tumbas, púlpitos, cantorías, altares, retrato ecuestre...

Su obra, también, la podemos fragmentar en tres etapas:

Una etapa inicial, de adolescencia y madurez, que trabajará en Florencia y se afanará en decorar edificios importantes de la ciudad:

- En la catedral realizará unos apóstoles (San Juan Evangelista) para la Puerta de la Mandorla y profetas (El Calvo o Zuccone) para el Campanile.

- Para la Iglesia de Or San Michele, patronos gremiales, nos encontraremos con dos obras señeras: San Marcos, encargado por los pañeros y representa el ideal de ser humano honesto y responsable. San Jorge, realizada para los espaderos, presentándolo como la personificación del héroe y el perfecto caballero cristiano, lleno de juventud, belleza y valor militar.

- También lo veremos trabajando con Michelozzo, haciendo tumbas, como la del Cardenal Reinaldo Brancacci, y púlpitos, como el del Cinturón de la Virgen en la catedral de Prato, formado por una plataforma colgada de la pared y decorado con relieves de niños danzantes.

- Posteriormente, sin la colaboración de Michellozo, seguirá trabajando para la catedral de Florencia llevando a cabo La Cantoría, especie de tribuna para los niños cantores.

- También realizará altares como el Tabernáculo de la Anunciación, para la Iglesia de la Santa Croce.

- La última obra de esta etapa será el David, escultura realizada en bronce, encargada por los Médici, es el primer desnudo completo del Renacimiento, de modelado suave y fluido. Estamos ante un joven adolescente en línea praxiteliana, de gran perfección anatómica: cuerpo expresivo y silueta firme.



En la segunda etapa, lo veremos en Padua, tiene 58 años y es el escultor más famoso de Italia. En este periodo contaremos con una obra fundamental el Condotiero Gattamelata, estatua ecuestre del caudillo Erasmo de Narni, en la línea de la de Marco Aurelio, que al frente de un ejército de mercenarios había defendido a Venecia frente a Milán. En su testamento dispuso que se le enterrara en Padua y el senado veneciano, deseando inmortalizarlo, encargó una colosal imagen que le sirviera de sepultura.

En la última etapa de nuevo vuelve a Florencia, donde sufrirá una crisis religiosa y como obra significativa de este periodo podemos señalar la Magdalena Penitente, de madera policromada, enflaquecida por el ayuno y la penitencia, negación de la belleza renacentista.


Verilənlər bazası müəlliflik hüququ ilə müdafiə olunur ©atelim.com 2016
rəhbərliyinə müraciət