Nota informativa La rinascita dell’antico nell’arte del Duecento

Nell’intramontabile testo di Erwin Panofsky dal titolo “Rinascimento e Rinascenze” il grande problema del ritorno all’antico abbraccia sia la cultura carolingia che quella del Duecento europeo, che il Rinascimento propriamente detto.

Ma nel Duecento, e specialmente in quella grandiosa stagione di passaggio dal romanico al gotico, il fenomeno è contraddistinto da un fervore di cui il termine latino “exempla” manifesta la forza concettuale, che è poi quella dell’auctoritas insita nella tradizione.

Nel medioevo opere d’arte antica in gran numero erano davanti agli occhi di ogni artista, che vi ritrovava una componente “etica”, insieme ai valori estetici. Proprio per i suoi valori morali l’antico, nel Duecento, è considerato presente.

Nei decenni che si dilungano all’incirca dalla metà alla fine del XIII secolo, in Italia la rinascita dell’antico si connota di un carattere particolare che deriva dalla fusione di elementi figurativi classici e del naturalismo che caratterizza lo stile gotico europeo.

Il gotico nasce e si diffonde in una zona dell’Europa francogermanica dove, intorno al 1220, si profila uno straordinario fenomeno di rinascita dell’antico. Proprio qui l’arte medievale è “in grado di incontrare l’antico su un piano di parità”. Nelle cattedrali di Reims, Naumburg e Bamberg vedono al luce alcune stupende sculture che, nel loro rifarsi a modelli antichi, diverranno exempla anche per l’Italia, sulla spinta di un intenso sentire, dal quale “emerge e ne è sostanza la coscienza cristiana del valore dell’individuo come conquista di libertà e dignità” (M.L. Testi Cristiani).

A differenza di quanto accadrà nel Rinascimento, nel Duecento l’antico non è appannaggio del passato. Secondo Panofsky il fattore di più profonda distinzione fra la rinascita del Duecento e il Rinascimento quattrocentesco consiste nel fatto che il primo si concepisce in stretta continuità con l’antichità, mentre nel secondo si percepisce la concezione “malinconica” di una lontananza, di una incolmabile separazione. Fatto sta che “ il culmine del classicismo medievale fu raggiunto nel quadro generale dello stile gotico”.

Tale senso dell’antico riveste le espressioni artistiche del gotico italiano di un fervore la cui varia gradazione è uno dei fattori che distinguono l’opera degli artisti anonimi attivi intorno a Federico II, da Nicola Pisano, da Arnolfo di Cambio, dai pittori romani, come Cavallini e Torriti, da Giovanni Pisano e Andrea Pisano.

Percorso della mostra

L’ampio, variegato e complesso capitolo italiano della rinascita duecentesca dell’antico si apre con Federico II, e con Federico II inizia il percorso della mostra e con alcuni precedenti normanni che si giustificano con il fatto che l’imperatore Svevo era figlio di Costanza d’Altavilla di discendenza normanna. In particolare la formazione di Federico II è pervasa di ricordi classici, sia da parte materna, che paterna; non dimentichiamo che Enrico, suo padre, era figlio del Barbarossa.

L’epicentro della rinascita dell’antico in Italia nel Duecento viene individuato nel cantiere di costruzione di Castel del Monte, edificio enigmatico, di cui tuttora non si conosce la destinazione d’uso: castello difensivo, reggia estiva o postazione di caccia. Qui, poco dopo il 1240, si formerà la personalità di uno scultore della levatura di Nicola Pisano “de Apulia”, cioè originario della Puglia.

Per Federico, e quindi per tutti coloro che, a diverso titolo, ruotano intorno alla sua corte - mondo chiuso pur nella sua variopinta compagine - l’antichità rappresenta un modello da riprendere in termini di intransigente assolutismo.

La mescolanza di antico e moderno, la rilavorazione e il riuso di materiali di spoglio che avevano caratterizzato anche la tarda antichità romana e i primi secoli del cristianesimo, il recupero di un codice iconografico imperiale, sono innanzitutto il portato di un programma ideologico. Con Federico la saldatura di passato e presente si fonda su ragioni di propaganda politica e sull’esaltazione della propria immagine, costruita su modelli antichi e in particolare augustei.

La ferrea ideologia però non toglie che in Federico II sia viva un’autentica passione per l’antichità, che si esprime nel collezionare opere d’arte classiche, nel favorire la produzione di oggetti preziosi, come gemme e cammei, e nell’affermazione di una sorta di furor dionisiaco (A.Giuliano), che si riscontra nella “terribilità” che contraddistingue gran parte della produzione plastica federiciana sopravvissuta alla damnatio memoriae dei posteri: dalla Porta di Capua ai rarissimi rilievi di Castel del Monte.

Questo stupendo reliquiario, in uno sbalorditivo stato di conservazione, in legno di sandalo, dipinto di rosso e lumeggiato d’oro, fu scoperto durante dei rilevamenti archeologici, nel 1960, nella cappella di Sant’Elena nella basilica romana dell’Aracoeli di fronte al Campidoglio.

Raffigura leoni alati e grifoni, motivi diffusi nel Meridione in ambito normanno. Anche nelle arti prodotte dai Normanni in Sicilia troviamo una ripresa di motivi classici.

Due Sfingi. Collezione Federico Zeri. Provengono probabilmente da Messina. Animali fantastici come le Sfingi e i grifoni nel medioevo sono diffusi anche negli edifici di culto.

Iustitia. Collezione Federico Zeri. Il soggetto di questa scultura, probabilmente romana e rilavorata in epoca federiciana, come lascia intendere l’aggiunta dell’aquila, è di difficile interpretazione.

Leone. Arte romana del III secolo rilavorato in epoca federiciana. Lagopesole, castello di Federico II. Si sa che Federico II diede enorme impulso alle costruzioni civili. Portandosi appresso una corte mobile, nei castelli soggiornava pochissimo. Lo splendido Leone romano di Lagopesole venne riadattato all’epoca di Federico II come elemento di un trono imperiale. In origine ornava lo spigolo di un sarcofago romano a forma di tinozza; lo si comprende perché è convesso. E’ raffigurato mentre stritola un’antilope, raffigurazione che, nell’arte classica, è simbolo di morte. Nel trono di Federico II probabilmente doveva costituire una specie di contrafforte anteriore.

Due Leoni di Villa Borghese. Roma. Questi splendidi Leoni di marmo, conservati nei giardini di Villa Borghese, restaurati per la mostra, sono databili nella prima metà del Duecento e furono realizzati in una bottega romana attiva nel Duecento. Specialmente nelle criniere a ciuffi scanalati presentano analogie con opere di maestranze attive per Federico II nella Porta di Capua.

Seconda sezione: Federico II

Prima di giungere alla scultura monumentale, spesso inserita in alcuni spettacolari edifici come la Porta di Capua, il monumento del Carroccio in Campidoglio e Castel del Monte, le arti sotto Federico II si limitano agli oggetti preziosi, gemme, cammei, facilmente trasportabili dalla sua corte nomade.

Si rifanno a exempla classici nello stile e nei soggetti.

Cammeo con Ercole che strozza il leone. Napoli Museo Archeologico Nazionale. Viene messo a confronto per la prima volta con un rilievo romano dello stesso soggetto, restaurato per la mostra, conservato nei Musei Capitolini.

Altri cammei raffigurano ritratti, teste di Satiri, episodi della Bibbia, animali, simili a quelli che componevano il folto corteo dell’imperatore, spesso descritto con toni di meraviglia nelle cronache del tempo.

Le sculture della Porta di Capua segnano il passaggio dalla produzione di gemme, alla scultura monumentale e il busto di Pier delle Vigne sembra un cammeo ingrandito. Dopo la battaglia di Cortenuova (1237) presso Bergamo, nella quale l’imperatore sbaragliò la Lega dei Comuni lombardi, Federico fece erigere in Campidgolio una specie di palco sul quale esporre i resti del Carroccio. Il palco era probabilmente adorno di tondi di marmo raffiguranti volti di giustizieri visti di profilo alla maniera di quelli dell’Arco di Costantino.

Spesso questi clipei sono scolpiti su marmi romani riutilizzati.

Terza sezione: Federico II e la Puglia. Castel del Monte

E’ nota la passione di Federico II per la caccia con il falcone che viene raffigurata in alcune opere rarissime.

Fra le testimonianze più interessanti della cultura federiciana troviamo alcune sculture realizzate in Puglia che fanno da contesto archeologico al capitolo di Castel del Monte.

Capitello. Museo della Cattedrale di Troja.

Da Piombino a Siena a Pisa e poi a Bologna e a Perugia, la cultura gotica e classica di Nicola Pisano, allevata nei cantieri federiciani, rinvigorisce al cospetto dei superbi exempla che lo scultore-architetto poteva trovare nei sarcofaghi del Camposanto di Pisa, città che aspirava a presentarsi come àltera Roma.

Mentre il classicismo dell’arte federiciana è finalizzato all’esaltazione dell’immagine dell’imperatore e del suo potere, in Nicola Pisano si deve parlare di “classicità rievocata”, perché egli vi immette una nuova “verità di vita” ispirata dalla cultura cristiana d’oltralpe.

Una serie ininterrotta di capolavori

Questa splendida scultura, che in ogni particolare manifesta fonti di ispirazione classiche, è opera di Nicola di Bartolomeo da Foggia, uno scultore che si forma in ambienti comuni a Nicola Pisano, pervenendo poi a conclusioni, sul piano stilistico, diverse. Il busto della donna, riconosciuta anche in Sigilgaita Rufolo la moglie di un nobile di Ravello, ornava il pulpito di Ravello costruito nel 1272. Accanto a elementi classici si riconoscono caratteri ornamentali ancora bizantini, specie nella corona.

Quinta sezione: Arnolfo di Cambio

Nessun’altro artista della metà del Duecento fece scuola quanto Nicola Pisano. Presso di lui si formarono Arnolfo di Cambio, scultore e architetto originario di Colle Valdelsa ai confini dell’Etruria, e Giovani Pisano, che, oltre a essere il più grande scultore del Duecento, ebbe il coraggio di interpretare l’antico in modo del tutto personale.

Arnolfo, già negli anni giovanili assimila gli elementi classici di una poetica che andrà maturando in un percorso vario e ricco di esperienze, dalla Toscana a Bologna, da Roma a Perugia a Firenze. In lui il ritorno al classicismo si configura come la ripresa di un patrimonio di exempla tratti dal repertorio romano ed etrusco, che conferiscono ad alcune sue opere una forte connotazione espressionistica.

Arnolfo di Cambio. Donna con brocca. 1281. Perugia, Galleria Nazionale dell’Umbria. Questa scultura, eccezionalmente drammatica nella sua torsione, faceva parte di una fontana perugina costruita nel 1231 e smembrata all’inizio del Trecento per scarsità di acqua.

Rilievo romano del II secolo con una Ninfa vista da tergo. Città del Vaticano, Musei.

Urna etrusca. Volterra, Museo Guarnacci.

Arnolfo. Lastra con una teoria funeraria.1289. Roma, chiostro della Basilica di San Giovanni Laterano. E’ l’elemento maggiore ( oltre 2 metri di lunghezza ) del monumento funebre del Cardinale Annibaldi nel chiostro di San Giovanni in Laterano a Roma. Arnolfo interpreta la lezione del classicismo nelle figure, nei panneggi scanalati, nelle chiome che ricordano quelle di tante statue romane, nelle tipologie regolari dei volti. Ma tutti questi elementi antichi si animano di un naturalismo che vediamo, per esempio, nel particolare del giovane chierico dalle gote gonfie che sta attizzando l’incenso nel turibolo.Va osservato il magnifico mosaico del fondo.

Clipeo con putto. Firenze, Museo dell’Opera del Duomo.

Aiuto di Arnolfo.Volto di Cristo con l’animula della Vergine. Firenze, Museo dell’Opera del Duomo. Questa scultura è impressionante per intensità introspettiva e forza di comunicazione. In origine era collocata all’esterno di Santa Maria del Fiore, in posizione elevata rispetto al gruppo con la Dormitio Virginis, sempre di Arnolfo. Raffigura il volto severo di Cristo che accoglie l’anima della Madonna in cielo dopo il trapasso “ la dormitio”. Il volto di Cristo rivela nella severità arcaica dei grandi occhi sbarrati, un ritorno all’antico che è emblema di verità e di meditativa fierezza. Al suo confronto l’anima di Maria Bambina assunta in cielo e da Cristo accolta, è di una purezza di forme quasi ellenica, indispensabile a sottolineare la tenerezza che emana dal suo viso. Sono i termini di un contrasto apparente che si combina in una unità di altissima armonia concettuale.

Bottega di Arnolfo, Testa di chierico. Perugia, Museo del Capitolo del Duomo.


Quinta sezione: la pittura a Roma nel secondo Duecento

A Roma Arnolfo lavorerà negli anni di Pietro Cavallini e di Pietro Torriti. Della pittura romana del Duecento è rimasto pochissimo, ma quanto basta per capire quale ulteriore, straordinaria sintesi di gotico, bizantino e classico sia alla base di questa produzione, superba e altera nella dignitas di matrice antica, accesa da splendide gamme di colore, nobile e statuaria nelle forme. Giotto stesso trasse significative influenze, forse ancora prima di recarsi ad Assisi.

Sesta sezione: Giovanni Pisano

In Giovanni Pisano il senso di classica staticità del padre Nicola, le solide cadenze dei panneggi, si trasformano in dramma di linee e di forme e il ritorno all’antico si colora di un particolare pathos.Vi è in lui un’inquietudine che gli deriva, sul piano degli exempla,“dall’espressionismo dei rilievi storici tardo-antichi e dei sarcofaghi di battaglie” (de Lachenal).

Giovanni Pisano è una personalità drammatica, decisamente proiettata verso il rinnovamento naturalistico gotico, che verrà messo in scena tra Due e Trecento ad Assisi e a Padova.

Giovanni Pisano. Danzatrice, Pisa, Museo dell’Opera del Duomo. Proveniente dal Battistero di Pisa. E’ una delle sculture più affascinanti del Duecento. Essendo oggi priva della testa e di qualunque attributo utile a identificarla, è stata battezzata in età romantica la Danzatrice. Tutto si risolve nel violento ondeggiare della veste, come se fosse mossa in un passo di “flamenco”.

Giovanni Pisano.Testa di Melchisedec. Volterra, Pinacoteca. Questa bellissima testa di uomo barbuto, riconosciuto da M. Seidel nel profeta Melchisedec, era stata scolpita in origine per il secondo livello della Fontana Maggiore di Perugia. Il classicismo è evidente nella tipologia del volto che riprende exempla di età antonina.

Giovanni Pisano. La Fortezza. Genova, collezione Doria. Faceva parte dello splendido monumento funebre di Margherita di Brabante a Genova. E’ pervasa da un sentimento che la fa apparire in tutta la sua verità.

Giovanni Pisano. Testa di San Michele Arcangelo. Collezione privata. Lo stupendo rilievo a tutto tondo, raffigurante la Testa di San Michele, come si capisce dal copricapo a elmetto, è la terminazione di una statuetta che ornava un monumento smembrato, forse a Genova.

Giovanni Pisano, bottega. Capitello figurato. Pisa, Museo Nazionale

Seguace di Giovanni Pisano. Capitello. Spoleto, Museo della Rocca Albornoz.

Settima sezione: Andrea Pisano

Con Andrea Pisano siamo entrati ormai nell’età di Giotto. Nato probabilmente verso la fine del Duecento, era ancor attivo nel 1348. Anche in lui l’afflato della tradizione antica non si spegne, e quello che va pubblicando, negli anni Trenta e Quaranta del Trecento a Firenze, è quanto di più intellettualmente classico si prospetti sul panorama dell’arte italiana. Ma il suo classicismo ha un carattere pacato. Egli si rifà a exempla greco-romani, dai quali assimila la purezza delle forme e l’equilibrio dei rapporti che intercorrono tra rilievo e fondo.