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“Los apuros sufridos por el infeliz protagonista a partir del día en que alcanza su mayor ilusión: ser nombrado policía de tráfico, cuando se verá materialmente desbordado para controlar la circulación en la gran ciudad. Uno de los mayores éxitos personales del inolvidable Alberto Sordi”. (Carlos Aguilar).

Recreación del programa ofrecido por Norte Films, a partir de 1949, titulado “Los astros de la risa”, a partir de su serie “Disparate cómico”, con comentarios de Tip y Top (Sonorizadas en 1949). Además dos versiones comentadas realizadas por comentaristas aún desconocidos.

“El hecho de que fuera galadornada en el X Festival de Cine de Berlín se justifica por la calidad de su fotografía, el verismo de su ambientación, sus atractivas y casi inéditas localizaciones de exteriores (que revelan cierta voluntad documentalista de César F. Ardavín) y la preocupación pictórica de su no poco elegante planificación” (Palmira González López)

Programa compuesto por dos películas primitivas, comentadas por Ramos de Castro, dos de las últimas sonorizaciones realizadas, en las que se pasó de comentar, a “doblar” las cintas mudas (Día de paga, y La alegre pradera); dos trabajos de Ramos de Castro como comentarista de otro tipo de materiales dónde realiza un texto obviamente influido por su anterior trabajo.: Una de monstruos, perteneciente al largo Tres eran tres, de Eduardo Gª. Maroto y La isla de Palma, un documental de NO-DO, Por último un homenaje realizado a Benito Perojo, pero también a Ramos de Castro, con la versión comentada en los años 70 de Clarita y Peladilla en el football.

Marius se despierta en su apartamento, después de una mala noche. De allí va a casa de sus padres, con los que no tiene una gran armonía. Después, acudirá a buscar a Sofia, su hija, que vive con su ex mujer, su ex suegra y el novio de su ex mujer. La intención de Marius es llevar a Sofia al mar. Pero los planes a veces chocan con las relaciones entre las personas…

“Iniciada con un rendido homenaje a Lubitsch, divertida y obviamente “comprometida” película coral, en la mejor tradición –la nuestra– de Neville, Berlanga o Fernando Fernán Gómez, y arropada por nuestros grandes actores de repertorio, pertinentemente planificada y montada, y de buena factura, es ésta no sólo una película excepcional en tanto en cuanto da testimonio del sindiós de aquellas transiciones, sino como inteligente recodificación de los tópicos de la comedias a la española de los setenta” (Alejandro Montiel)

“La película de Bertolucci era algo más que una película, porque se inscribía en la cultura contestataria del sesentayochismo, con esa fuerte carga de efectismo que caracteriza el cine de este autor. También era sesentayochista el planteamineto del conflicto individual y de la afirmación del yo, en el contexto de una conciencia de la izquierda que empezaba a reivindicar el yo frente al nosotros, lo cotidiano frente a lo histórico” (Manuel Vázquez Montalbán)

“Toda la pasión que Aurora Bautista insufló a sus desmelenados personajes en los extrovertidos dramas históricos de Juan de Orduña, consiguió imponerla esta vez de un modo crítico en su personaje como pasión represiva y, por ello, destructiva y también autodestructiva” (Román Gubern)

“El reportero parece la más íntima y reveladora de sus películas, aquella en la que se nos da las claves de su aventura personal más reciente. Este pasajero, hombre insatisfecho de su carrera y que acaba de salir de una experiencia de testimonio periodístico, abandonando su país de origen, abandonando su entorno, sus amigos más íntimos, para abordar lo que se dice ser su verdadera madurez creativa… ¿no es el mismo Antonioni buscando al otro que dormita en cada uno de nosotros?”. (Robert Benayoun)

La Nouvelle Vague antes de la Nouvelle Vague. Una película fundamental que encantará a Truffaut y que inspirará -copiarán decía, soberbio, Marcel Hanoun- a Chantal Akerman, a Godard y a algunos cineastas de hoy, aquí mismo, en España, en donde Hanoun ha dejado un legado que va de Recha o Guerin al colectivo Los Hijos. Marcel Hanoun adoraba España y la lengua española y en ella le gustaba expresarse siempre que venía Filmoteca Española. (Javier Rebollo)

Sobre una idea de Luis García Berlanga. Un documental de ficción en el que se aúna la visión berlanguiana de la sociedad con la ironía que caracterizaba al genial director.

La que sería última película de Kazuo Kuroki tras cuatro décadas dedicadas al cine resume perfectamente el trabajo de este director apenas conocido fuera de Japón, la presencia determinante de una guerra que marcaría el carácter de Kuroki, y el gusto por las historias realistas que giran en torno a sus personajes y sus diálogos. Etsuko Kamiya es una joven que está viviendo los últimos años de la II Guerra Mundial en la casa de su hermano en Kagoshima tras haber perdido a sus padres. La preocupación de su hermano le conduce a la búsqueda de un marido para Etsuko lo que provocará un dramático triángulo amoroso. Una historia conmovedora con un agradable sentido del humor en la que destacan especialmente las interpretaciones de sus protagonistas, Tomoyo Harada y Masatoshi Nagase.

Un hacker se introduce dentro de un ordenador y es obligado a participar en juegos a vida o muerte donde su única posibilidad de fuga es con la ayuda de un programa de seguridad heroico.

“La mirada del guionista Sheriff, muy desviada de la novela, orientó el film a una constatación de que el protagonista triunfaba ante sí mismo y ante los demás sin necesidad de sujetarse ni a las estructuras militares ni a la escala de valores propia del ejército; desde tal punto de vista el acento recaía abundantemente en la ruina física y sentimental del amigo que encarnaba la actitud opuesta” (Javier Coma)

Una pareja de recién casados acude al caserón de la hermana de él, una belleza otoñal que encabeza una secta de satanistas… Sexo y terror desde una trama heredera de La semilla del diablo, con una Helga Liné materializando todo lo que insinuaba su filmografía” (Carlos Aguilar)

“Feliu utiliza la Alicia de Lewis Carroll para realizar un ajuste de cuentas con el franquismo. Alicia se duerme y al despertar observa la erótica figura de una conejita negra que huye a través del bosque. Al perseguirla recorre cuarenta años de la surrealista dictadura franquista.” (Lluis Bonet Mojica)

“Este valiente fresco del Madrid de la época hunde sus raíces en la tradición realista de la cultura hispana, desde los relatos picarescos del Siglo de Oro hasta ciertos elementos de la novela decimonónica” (Pablo Pérez Rubio)

“Meditación inquietantemente erótica sobre la diferencia entre lo humano y lo no-humano. Situada en un sucio Los Ángeles del siglo XXI caracterizado por la lluvia casi constante y una ingente cantidad de restaurantes chinos, la trama involucra a un expolicía contratado para localizar y matar a una serie de androides” (Jonathan Rosenbaum)

“Obligado a aceptar la orientación vodevilesca que le da el autor de la obra, Wilder le pone el contrapunto a la película con toques burlescos o cínicos para superar los estereotipos y los excesos de edulcoración del texto, introduciendo sutilmente imágenes mentales superpuestas en una parte de la pantalla” (Nöel Simsolo)

“Las vivencias de toda aquella gente, de un cierto nivel muy bajo de la gente española de aquellos años (que no son los años en los que la película está rodada) de finales de los cuarenta, aquella sordidez, aquella impotencia de la gente. Y la carencia por parte de la gente de este estrato social de una moral auténtica, sino que se ven sometidos a una especie de ductilidad por el imperativo de la vida cotidiana, de esa bajeza de miras… Eso es lo que más me interesaba, el juego de unos personajes con otros bajo este prisma” (Fernando Fernán-Gómez)

“Sabía desde el principio que quería realizar una comedia un poco alocada, un poco chiflada: la presencia de Peter Sellers me llevaba por esta vía. Quería también perderme en una especie de frivolidad sofisticada, y, por otro lado, utilizar un elemento que sólo había empleado de forma muy pasajera anteriormente: el slapstick. Eso debido al personaje del inspector Clouseau” (B. Edwards).

“La interpretación de Herbert Lom está llena de sensibilidad y alcanza su punto más álgido cuando, lleno de emoción al escuchar a Christine cantando su ópera Saint Joan, se sacrifica para salvarla” (Pello Murgiondo)