Apocalypse now redux

El motivo de la eliminación de ciertas escenas de la versión original

¿Por qué se eliminaron estas escenas de la versión original de la película?

Coppola recuerda que en la primavera de 1979, “teníamos miedo de que la película fuera demasiado larga. Era un filme bastante peculiar y estábamos muy preocupados por si nos hubiéramos alejado demasiado de la típica película del género bélico. Era larga y extraña y no finalizaba con la clásica batalla. Así que montamos la clase de película que creíamos que funcionaría con el público de la época. Eso significaba poner más énfasis en la narración y menos diversiones mientras el grupo subía el río”

“Estábamos muy presionados”, añade Coppola, “y amenazados con la ruina financiera. Iban a quitarme la casa por esta película. Daba mucho miedo. La prensa especulaba mucho sobre su viabilidad y por eso estábamos en una posición defensiva cuando hicimos el montaje: queríamos demostrar que se equivocaban. Tomamos la decisión de hacer una película que fuera aceptada por el público en general, nos centramos en el viaje por el río y la convertimos en una película de género. Lo gracioso es que estábamos tan seguros de que nos íbamos a arruinar con ‘Apocalypse Now’ que pensé ‘bueno, ahora dejadme hacer una película comercial que nos salvará: ‘Corazonada’. Y entonces ‘Apocalypse’ fue un gran éxito de taquilla y ‘Corazonada’ un fracaso total. El remedio fue peor que la enfermedad.

El final

“Tiene el mismo final,” explica Coppola, “pero ahora que el cuerpo de la película es más amplio y libre el final parece más apropiado y satisfactorio que antes”.

Cuando “Apocalypse Now” se estrenó en 1979 todas las copias tenían el formato de 70mm, sin títulos ni créditos finales (en su lugar, los espectadores recibieron un programa de mano), pero el director comenta que cuando la película se distribuyó un formato de 35mm la idea de un programa ya no era factible: “Quizás cometí un error al decidir que los créditos finales se vieran sobre impresionados encima de las explosiones que proceden de la destrucción del campamento de Kurtz. Habíamos construido una estructura bastante imponente en Filipinas y estábamos obligados por ley a quitarla. Así que decidimos volarla y fotografiarlo”.

“Sin embargo, estas copias parecían reforzar la idea de que había dos opciones para el final, uno más bélica que otra. Esa no fue mi intención y en cuanto me di cuenta del malentendido retiré todas las copias de esta versión y volví a sacar nuevas copias con los créditos finales sobre un fondo negro. Quería que la película terminara con una nota más pacífica: Willard tira sus armas y los miembros de la tribu hacen lo mismo”.

“La nueva versión no intenta limitarse a la idea estricta de lo que es una película bélica y, como tiene una mayor amplitud, llega al tema fundamental de una manera más convincente. Así que el final, tan extraño y filosófico, parece más apropiado que antes”.
Me encanta el olor a napalm por la mañana...huele a victoria.

El origen de la nueva versión

“Hace algunos años estaba en un hotel en Londres y vi que iban a poner ‘Apocalypse Now’ en televisión”, explica Coppola. “Siempre me había gustado el comienzo, así que empecé a verlo y acabé viendo la película entera. Lo que me impresionó fue que el filme original – que había parecido tan extraño e innovador cuando salió – pareciese ahora bastante corriente, como si el público ya se hubiera puesto al mismo nivel. Eso me animó a intentar una nueva versión. Pensé que ya que la película tenía bastantes años y se había convertido en una especie de clásico, podríamos montarla prestando más atención a los temas fundamentales”. Llamé al montador Walter Murch y en marzo de 2000 se comenzó a montar desde cero una nueva versión del filme”.

“En lugar de volver al material que habíamos quitado del montaje original, reeditamos el filme a partir de los rushes, el metraje original sin montar”, dice Coppola. El proceso entero - incluyendo las nuevas mezclas de sonido – duró seis meses (de marzo a agosto de 2000).

Para Murch fue todo un reto: “La idea de volver a la selva me ponía un poco nervioso. Ya había dedicado dos años agotadores a la película y sabía que nos enfrentábamos a un montaje original que duraba más de 5 horas y casi 400.000 metros de película: sólo la película y la banda magnética pesaban más de siete toneladas. Pero después de 10 días ya parecía perfectamente natural”.

En esta ocasión Murch montó la película digitalmente, creando lo que él llama “una maravillosa yuxtaposición de la última tecnología con un filme que se hizo al principio de la época moderna del vídeo”.

Elimina con prejuicio extremo.
La reacción a la nueva versión

Para muchos miembros del reparto y el equipo de “Apocalypse Now” la versión “Redux” fue toda una revelación y ofrecía todo el potencial que habían observado originalmente en la historia épica que cuenta la película. Varios de ellos la vieron en el estreno oficial del Festival de Cannes, donde el público la premió con una larga ovación. Sam Bottoms se sintió deslumbrado por la nueva versión “porque me parece que Francis ha conseguido mejorar aún más una película brillante. El filme parece haber madurado con el tiempo. Es posible que Estados Unidos no estuviera preparado para “Apocalypse Now” cuando se estrenó en 1979 pero aún ahora habla de ciertas cosas de nuestra sociedad y de nuestros corazones que tenemos que reconocer y resolver”.

Para Aurore Clement, que interviene en la nueva secuencia de la plantación francesa, ver la película fue “como un sueño, muy emotivo, especialmente al final de la proyección, cuando se encendieron las luces y vimos que muchos espectadores lloraban”. Fue aún más emotivo para Clement dado que hace 22 años sus escenas fueron cortadas de la versión original de la película y ahora forman una parte esencial del filme. “Nunca había visto lo que rodamos, ni siquiera cuando doblamos esta versión. Era la primera vez que veía lo que habían hecho hace tanto tiempo y fue una sensación extraordinaria”.

Las lagrimas de los espectadores también sorprendieron al diseñador de producción Dean Tavoularis: “No es ese tipo de filme que generalmente provoca lágrimas, pero me di cuenta de que lo que había afectado tan profundamente al público era esa sensación de una oportunidad perdida que transmite esta nueva versión, de un paraíso destrozado por los oscuros impulsos humanos”.

El director de fotografía Vittorio Storaro apunta que no sólo ha cambiado la película sino también el público que la verá de nuevo o por primera vez: “Después de 22 años el público ha madurado. Creo que estamos dispuestos a volver al barco y completar de una manera diferente la experiencia de ‘Apocalypse Now’”.

Uno de los aspectos que más impresionará al público contemporáneo es la ausencia de efectos especiales. “La película tiene un realismo imposible de recrear con efectos digitales y ordenadores”, comenta Dean Tavoularis. “Hay unos matices que sólo se consiguen cuando son de verdad. Todos los helicópteros que se ven no obedecen a un montaje: allí estaban cruzándose en el aire y de ahí viene la verdadera fuerza de esta película”.

“La historia de la música para la escena de amor es maravillosa”, explica Coppola. “Cuando nos dimos cuenta de que teníamos una cantidad considerable de metraje nuevo pensamos que valdría la música antigua. Pero esta escena de amor necesitaba un tratamiento completamente nuevo. Originalmente había trabajado con mi padre pero ya ha fallecido, así que me puse a mirar toda la música que había compuesto con la esperanza de encontrar una pieza de música clásica que podríamos meter de alguna manera. Mientras repasaba toda su producción encontré un trocito de una composición, parcialmente rasgado, con el apunte ‘Tema de Amor’. Se nos ocurrió que lo habría compuesto para la película, aunque no nos habíamos enterado. Y de hecho, cuando lo introdujimos en la película encajó perfectamente. Es un tema realmente hermoso, con un tono parecido a Debussy. Fue como trabajar con él desde el más allá”.

Coppola también recuerda su idea original para la banda sonora disonante de la película: “Mi idea, inspirada en parte por el compositor japonés Tomita, era la de orquestar la música con los sonidos reales de la guerra y del ambiente. El bajo serían los helicópteros, las cuerdas serían el viento y el chillido de los aviones y se basaría todo en un sonido como el de Jimi Hendrix. Mickey Hart, el bateria de The Grateful Dead, preparó la banda de percusión con una sala llena de todos los instrumentos de percusión imaginables”.
Oye tío. No se habla con el Coronel, se le escucha.
El sonido
Walter Murch es conocido por su maestría con los efectos de sonido y las mezclas y su reputación se debe en parte a los efectos innovadores que él y su equipo crearon en formato Dolby 5.1 para “Apocalypse Now”. Este formato fue adoptado de forma generalizada en la industria 20 años después y con él ganó Murch el Oscar. Aún hoy se sigue alabando la película por sus complejos matices del sonido de la guerra moderna. Murch explica que remasterizaron el sonido en el formato SRD “y fue muy poético volver al sonido 5.1 con la película que empezó todo”.

Kim Aubry – productor – opina que en el aspecto del sonido “Apocalypse Now” fue una película definitiva. “Y afortunadamente los elementos de sonido originales estaban todos disponibles y en buen estado. Llamamos a media docena de actores para doblar las nuevas escenas y entre ellos estaban Robert Duvall, Martin Sheen, Sam Bottoms, Albert Hall y Frederic Forrest. Pero el verdadero acontecimiento fue ver a Aurore Clement doblar una película de la que había sido complemente eliminada 22 años antes”.

El proceso se parece más a la impresión de una revista o litografía en la medida en que implica la separación de los colores: los colores primarios – amarillo, cian y magenta - se imprimen en películas separadas. Cado uno de estos originales se frota contra la película y así se efectúa la transferencia de color. Kim Aubry explica que “comparado con los habituales positivos en color de hoy, la transferencia de color da colores más densos y saturados, nos permite un mayor control sobre la fase de impresión y crea copias más estables y duraderas”.

“El rodaje de la película supuso un trabajo enorme”, comenta Storaro, “así que fue una gran alegría descubrir que iban a recuperar tantas escenas cortadas. Cuando fui a supervisar los colores de la nueva versión era tan hermosa que casi lloré. El proceso de transferencia de color nos permitió recuperar del negativo original más color, luz y sombras que con cualquier otro proceso. La experiencia de restaurar esta película fue una de las experiencias visuales más importantes de mi vida. Los colores son esenciales para la comprensión de la película porque trata del lado oscuro de la humanidad y esta oscuridad tiene que estar representada en la visualización de la película. Con la transferencia de color Technicolor pude devolver a la película la emoción de los colores. En resumen, creo que el aspecto visual de ‘Apocalypse Now Redux’ mostrará a la joven generación de espectadores toda la belleza que debe tener una película”.
Todos consiguen lo que quieren. Yo quería una misión y me la dieron por mis pecados.


El guión original
Fue a finales de los sesenta, cuando trabajaba como guionista de la Warner, cuando Francis Ford Coppola oyó de John Milius y George Lucas la idea que se convertiría en el guión de “Apocalypse Now”. “John contaba historias increíbles de sus muchos amigos surfistas que habían regresado del Vietnam”, explica Coppola. “Quería escribir un guión sobre sus experiencias y lo llamaba alternativamente ‘El soldado psicodélico’ y ‘Apocalypse Now’. Mientras tanto, Carroll Ballard planeaba rodar ‘El corazón de las tinieblas’ y yo estaba escribiendo ‘La conversación’. Por así decirlo, había mucha ‘fertilización cruzada’”.

Más tarde, cuando Coppola fundó su productora American Zoetrope, dio fondos a John Milius para que escribiera “Apocalypse Now”, un guión que Zoetrope acabó comprando. “Llamé a George Lucas para decirle que ya tenía los derechos del guión y le pregunté si quería dirigirlo. Me dijo que estaba a punto de empezar un nuevo proyecto de ciencia-ficción y que estaría ocupado durante al menos un año. Después llamé a John Milius para saber si quería dirigirlo y él también estaba comprometido con otro proyecto. Entonces pensé que si lo dirigía yo mismo y lo convertía en una gran película bélica American Zoetrope podría ganar mucho dinero para dedicarlo a pequeñas películas más personales”.

Mientras rodaba la película Coppola descubrió que se refería cada vez más a “El corazón de las tinieblas”, de Conrad. “En lugar de llevar conmigo el guión tenía un pequeño libro de bolsillo verde lleno de anotaciones y marcas. Empecé a referirme a él de forma natural y paso a paso la película se hizo más surrealista y más parecida a la novela de Conrad.

Muchas de las escenas memorables siguen palabra por palabra el guión de John Milius: el ambiente del barco y los personajes, el extraordinario asalto de los helicópteros acompañado por la música de Wagner, el tigre, las chicas ‘Playboy’ y el extraño puente de Do Lung. Mi contribución al guión fue profundizar en el paralelismo con la novela de Conrad y ampliar muchas escenas, incluyendo la de la plantación francesa y la mayor parte del último acto de la película. En un principio habíamos contratado a Dennis Hopper para interpretar a Colby, el oficial enviado para asesinar a Kurtz y que se convertiría en uno de sus sujetos. Pero cuando vi a Dennis el primer día le vestí con una camisa de la tribu Montagnard, le colgué una cámara del cuello y así nació el enloquecido fotoperiodista, basado en los rumores acerca de Sean Flynn. Saqué de las páginas de Conrad el personaje del ruso que estaba con Kurtz”.

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  Estaba previsto que el rodaje (en localizaciones en Filipinas) duraría 4 meses pero se alargó durante 15. En total, Coppola utilizó 600.000 metros de película (370 horas) a lo largo de un rodaje de 238 días. En comparación, un rodaje típico dura unos 55 días. A menudo escribía por la noche, en tarjetas de cartulina, escenas que se rodarían al día siguiente. Al día siguiente se llamaba a los actores para rodar “escenas desconocidas”.
  

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  Tras tres semanas de rodaje Coppola tuvo que sustituir a uno de los actores principales (Harvey Keitel).
  

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  El sustituto de Keitel (Martin Sheen) sufrió después un infarto que casi resultó ser mortal (un cura llegó a administrarle la extrema unción). A fin de seguir con el rodaje Coppola hizo traer al hermano de Sheen para hacer de doble mientras Martin se recuperaba.
  

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  Marlon Brando llegó con una presencia física más grande de lo esperado y amenazó en repetidas ocasiones con abandonar el rodaje. Ninguno de los uniformes de coronel de los Boinas Verdes le valía. “Entonces decidí filmarle de cintura para arriba, que le hacía parecer una especie de gigante”, dice Coppola.
  

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  El peor huracán en 40 años cayó sobre Filipinas tres meses después del inicio del rodaje y detuvo la producción durante seis semanas. El coproductor Gray Frederickson lo definió como “una lluvia tan intensa que no veías tu mano delante de la cara”. Quedaron destrozados casi todos los decorados hechos con tanto esmero por Dean Tavoularis y tuvo que reconstruirlos.
  

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  El presupuesto se infló y pasó de $16 millones a más de $32 millones (Coppola hipotecó todo sus pertenencias personales para cubrir el excedente).
  

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  Durante el rodaje un miembro del equipo editaba una revista titulada “Control de rumores”.
  

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  La post-producción, que en la mayoría de las películas dura 6 meses como máximo, se alargó durante más de dos años.
  

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  La prensa publicaba artículos periódicos preguntando “Apocalypse ¿cuándo?”
  

Sin embargo, el resultado final fue una película que perdura en la memoria moderna

como un clásico distinto de cualquier otro. Recientemente fue elegida por el Instituto de Cine Americano como una de las 100 mejores películas del cine americano.

“De una cosa estoy seguro”, dijo Martin Sheen en 1979, “y es que va a ser una de las películas más comentadas de la historia del cine”. Con “Apocalypse Now Redux” la conversación acerca de la película tiene un nuevo enfoque.

Un verdadero icono hollywoodiense desde los años 50, Brando se convirtió en una de las figuras más influyentes del cine, abriendo el camino para el estilo emocional y naturalista de James Dean, Paul Newman, Robert DeNiro y otras muchas estrellas modernas. Se dio a conocer en Broadway con su retrato inolvidable de Stanley Kowalski en “Un tranvía llamado deseo”. Hizo su debut cinematográfico en “Hombres” y después retomó el papel de Stanley Kowalski en la versión cinematográfica de la obra dirigida por Elia Kazan, por la cual fue nominado al Oscar al Mejor Actor. A continuación rodó “Viva Zapata”, “Julio César”, “Salvaje” y “La ley del silencio”, por la que ganó el Oscar. Después vinieron el musical “Ellos y ellas”, la atrevida “La casa de té de la luna de agosto”, “Tennessee Williams”, “Piel de serpiente” y “Sayonara”, por la que de nuevo fue candidato al Oscar.

En 1961 Brando hizo su debut como director con la película del oeste “El rostro impenetrable” y durante esta década intervino en los siguientes títulos: “Rebelión a bordo”, “Bedtime Story”, “La condesa de Hong Kong”, “Reflejos en un ojo dorado”, y “Quiemada”. En 1972 colaboró por primera vez con Francis Ford Coppola, dando vida a Don Corleone en “El padrino”. Este personaje se convirtió en uno de los más destacados de la historia del cine y cosechó para Brando su segundo Oscar. Volvió a optar por el mismo premio por su trabajo en “El ultimo tango en París”.

Desde “Apocalypse Now” hemos podido ver a Brando en “Superman”, “La formula”, y “Una árida estación blanca” por la que volvió a ser nominado al Oscar. Ofreció una interpretación cómica de Don Corleone en “El novato”, dio vida a Torquemada en “Cristóbal Colón: el descubrimiento”, ganó varios premios por su trabajo en Don Juan DeMarco y encarnó al doctor Moreau en “La isla del Dr. Moreau”. Sus otros trabajos recientes son: “Asalta como puedas”, “The Brave” y “The Score”, dirigida por Frank Oz y protagonizada por Robert DeNiro y Ed Norton.

Actualmente Sheen es más conocido por su papel del presidente americano Bartlett en la premiada serie “The West Wing”, por la que ha sido nominado al Emmy y al Globo de Oro.

Entre los largometrajes en los que ha intervenido podemos citar los siguientes títulos: “Malas tierras”, “Spawn”, “La zona muerta”, “Da”, “Gettysburg” y el documental “Hearts of Darkness: A Filmmaker’s Apocalypse”. También ha compartido pantalla con sus hijos: con Charlie Sheen en “Wall Street” y “Cadence” (en la que debutó como director) y con Emilio Estévez en “The War at Home”, dirigida por su hijo. Próximamente le veremos en “O”, una versión moderna de “Otelo” ambientada en las canchas de baloncesto.

En la televisión, ganó el Emmy por su intervención en “Murphy Brown” y ha sido candidato al mismo premio por su trabajo en “Taxi” y por el telefilme “The Execution of Private Slovik”. Asimismo, fue nominado al Globo de Oro por las miniseries “Kennedy” y “Blind Ambition”.

En sólo unas pocas secuencias emocionantes, Robert Duvall creó el inolvidable personaje del coronel Kilgore, que recorre Vietnam en busca de surf mientras dirige los ataques de los helicópteros al sonido de Wagner y se coloca con los vapores del napalm.

En 1983 ganó el Oscar el Mejor Actor por “Tender Mercies - Gracias y Favores” y también recibió el Globo de Oro por su retrato de Stalin en la producción homónima de la HBO y el Obie por su trabajo en la obra de teatro “Panorama desde el puente”. Ha competido por el Oscar en otras cuatro ocasiones: por “El Padrino”, “El don del coraje”, “Camino al cielo” (de la que también fue director y guionista) y por “Acción civil”.

Recientemente ha intervenido en “60 segundos”, “El sexto día”, “Deep Impact”, “Phenomenon, algo extraordinario más allá del amor”, “Slingblade (El otro lado de la vida)”, “Conflicto de intereses”, “Algo de que hablar” y “Un asunto de familia”. Próximamente le veremos junto a Denzel Washington en “John Q” y en “Assassination Tango”, una película en la que además de actuar ejerce de guionista, director y productor.

Debutó en el cine con el personaje de Boo Radley en el clásico de 1963 “Matar a un ruiseñor” y desde entonces ha participado en más de 60 largometrajes, entre los cuales se incluyen los siguientes: “Valor de ley”, “M*A*S*H”, “Un mundo implacable”, “Elemental, doctor Freud”, “Ha llegado el águila”, “Confesiones verdaderas”, “El mejor”, “Colors, colores de guerra”, “Días de trueno”, “El precio de la ambición”, “Un día de furia”, “Wrestling Ernest Hemingway”, “Gerónimo, una leyenda” y “The Paper: detrás de la noticia”.

Ha protagonizado dos populares miniseries: “Lonesome Dove” e “Ike” y dirigió “We’re Not the Jet Set” – un documental sobre una familia de Nebraska que también produjo – y “Angelo, My Love” – un retrato de la misteriosa comunidad gitana de Nueva York que asimismo escribió y produjo.

Forrest debutó frente a Richard Widmark en “Cuando mueren las leyendas” e inmediatamente fue nominado al premio Golden a Mejor Actor Novel por su interpretación del vaquero indio Tom Black Bull. Después encarnó al asesino de “La conversación” de Coppola, y a continuación rodó “El don ha muerto” (con Anthony Quinn), “The Dion Brothers”, “El hombre que decidía la muerte” y “Missouri”, con Jack Nicholson y Marlon Brando. Tras pasar dieciséis meses en Filipinas con el rodaje de “Apocalypse Now”, regresó a Estados Unidos para encarnar a Lee Harvey Oswald en el telefilme “Ruby y Oswald”.

Recibió el Premio de la Crítica Nacional al Mejor Actor de Reparto y fue nominado al Oscar y al Globo de Oro por su trabajo frente a Bette Midler en “La rosa”. Protagonizó “Hammett, el hombre de Chinatown” (Wim Wenders) y después volvió a colaborar con Coppola en sus dos siguientes películas: “Corazonada” y “Tucker, el hombre y su sueño”. Otras películas en las que ha intervenido son: “Un día de furia”, con Michael Douglas; “Saigon, the year of the cat”, de Stephen Frears; “The Two Jakes”, con Jack Nicholson; “El cazador de gatos”, de Abel Ferrara; “The Habitation of Dragons”, de Michael Lindsay-Hogg; “Who Will Love My Children”; “Huckleberry Finn”; “The Parade”; “Where Are The Children”; “Stacking”; “El regreso de Lassie”; “Después de una noche”; “The Stone Boy”, con Robert Duvall; “La caja de música”, con Jessica Lange, y “Doris Day en el Oeste”.

En televisión, protagonizó la miniserie italiana “Quo Vadis” (dirigida por Franco Rossi), “Citizen Cohn” (HBO), la miniserie “Beryl Markham: Shadows of the Sun” (dirigida por Tony Richardson), la galardonada “Lonesome Dove” y “Against the Wall” (HBO), dirigida por John Frankenheimer.

Más recientemente coprotagonizó “Andersonville” - una producción dirigida por John Frankenheimer premiada con un Emmy – e intervino en los largometrajes “The Brave” con Johnny Depp; “Alone,” de Michael Lindsay-Hogg, “El final de la violencia” de Wim Wenders; “Whatever,” “Crash Dive” y “Reasonable Force.”
Laurence Fishburne (Clean)
Creo que la luz y el espacio vietnamita le trastocaron la cabeza
Laurence Fishburne tenía sólo15 años cuando interpretó a Clean, un joven del gueto con un pie ya en la tumba.

Después se convertiría en uno de los actores más destacados de su generación. Ha sido nominado al Oscar por su retrato de Ike Turner en “Tina” y ha ganado el Tony, el Premio Drama Desk, el Premio Outer Critic’s Circle, el Premio Theatre World (por la obra “Two Trains Running”), y el Emmy (por su trabajo en el primer capítulo de la serie de televisión “Tribeca”).

Sus películas más recientes incluyen el taquillazo “Matrix” y “Once in the Life”, que también marcó su debut como director. Una de sus interpretaciones más memorables es la del jugador de ajedrez, buen conocedor de la calle, que ayuda a un joven en “En busca de Bobby Fischer”. Otros filmes suyos son: “Horizonte final”, “Hampones” (también productor), “Fugitivos encadenados”, “Otelo”, “Cadence” (dirigido por Martin Sheen), “Malas compañías” y “Semillas de rencor” (dirigido por John Singleton). Fue premiado por su retrato de Furious Stiles en “Los chicos del barrio” (John Singleton) y actuó en “Acción judicial”, “King of New York”, “Danko; color rojo”, “Pesadilla en Elm Street 3” y “Cotton Club” y “La ley de la calle”, ambas dirigidas por Francis Ford Coppola.

Su trabajo en televisión incluye un interpretación premiada con el Emmy en “Miss Evers’ Boys” y el telefilme de la HBO “Tuskegee Airmen” por la que recibió el Premio NAACP Image al Mejor Actor en una miniserie. Asimismo, participó en “Decoration Day”, “For Us the Living” (PBS), “Rumor of War” (CBS) y ha intervenido como estrella invitada en numerosas programas.

Comenzó su carrera de actor a los 10 años en la serie “One Life to Live” y a los 12 hizo su debut cinematográfico en “Cornbread, Earl and Me”. A los 14 años fue seleccionado para el reparto de una producción del Negro Ensemble Theatre y fue aceptado como alumno de la High School of the Performing Arts.
Dennis Hopper (Fotoperiodista)
¿Sabes que “si” es la palabra central de la vida?
El fotoperiodista colocado, acólito de Kurtz, que Dennis Hopper creó en “Apocalypse Now” le convirtió en un icono de la generación perdida de los sesenta.

Hopper fue asociado con las road movies de la década de los sesenta y después se reinventó en los ochenta con su célebre papel en “Terciopelo Azul” de David Lynch. Comenzó a actuar en los cincuenta y en dos ocasiones compartió pantalla con James Dean: en “Rebelde sin causa” y “Gigante”. A continuación protagonizó varias películas destacadas de los sesenta, tales como “La leyenda del indomable” y “Buscando mi destino”. Después de “Apocalypse Now” volvió a trabajar con Coppola en “La ley de la calle”.

En los ochenta pudimos verle en títulos como “Al borde del río”, “Hoosiers, más que ídolos”, “El caso de la viuda negra”, “El cazachicas” y “Colors, colores de guerra”. En televisión, su interpretación en la adaptación de la novela “Paris Trout” le valió varios premios.

Entre sus películas más recientes podemos citar “Speed”, “Amor a quemarropa”, “Waterworld”, “Basquiat” “Meet the Deedles”, “Jesus Son” y “Ed TV”. Próximamente le veremos en “Knockaround Guys”, el thriller “Unspeakable”, “LAPD Conspiracy” y “Firecracker”.

Hizo un debut propicio en el clásico de Peter Bogdanovitch “La última película” y acaparó más atención con “Curso del 44”. Trabajó con Clint Eastwood en “El fuera de la ley” y volvieron a colaborar en la comedia “Bronco Billy”. Asimismo, repitió con Coppola en “Jardines de piedra” e intervino en el documental “Hearts of Darkness: A Filmmaker’s Apocalypse”.

Otros trabajos suyos son: “Sugar Hill”, “The Trust”, “North of Chang Mai,” “Dolly Dearest,” “The Witching of Ben Wagner,” “Island Sons,” “La sangre del cazador,” “Up From the Depths,” “Savages” y “La esposa comprada.” Sus próximas películas son “The Unsaid” con Andy Garcia, “Looking Through Lillian” y “Shadow Fury” con Pat Morita.
Albert Hall (Jefe)
Según mis ordenes no puedo saber adónde va este barco....pero sólo hace falta mirar a vosotros para saber que va a hacer calor.
Albert Hall es el experimentado comandante que observa cómo su barca se hunde en el caos más absoluto mientras la tripulación enloquecida por las drogas se adentra cada vez más en un territorio desconocido.

Vimos recientemente a Hall en “Beloved”, de Jonathan Demme, y entre sus películas anteriores se incluyen “Malcolm X” y “Get on the Bus”(Spike Lee), “The Great White Hype” (Reginald Hudlin), “El demonio vestido de azul” (Carl Franklin), “En honor a la verdad” (Ed Zwick), “Rookie of the Year” (Daniel Stern), “La caja de música” y “El sendero de la traición” (Costa-Gavras), “Inquietudes” (Alan Rudolph) y “Leadbelly” (Gordon Parks).

En televisión, ha intervenido en repetidas ocasiones en las series “Ally McBeal” y “The Practice”. Protagonizó el episodio piloto de “Brimstone” y participa de forma regular en la serie. Protagonizó recientemente el telefilme “Swing Vote” y ha trabajado en otros telefilmes como “The Tiger Woods Story,” “Star,” “The Jackie Robinson Story,” “The Boys” y “Uncle Tom’s Cabin.”

Hall también ha establecido su reputación en Broadway, participando en las obras “Black Picture Show,” “We Interrupt This Program,” “Ain’t Supposed to be a Natural Death” y “Are You Now, Or Have You Ever Been?” Fuera de Broadway ha trabajado en obras como “Streamers,” “Basic Training of Pavel Hummel,” “Wedding Band, “ “Miss Julie,” “Como Gustéis” y “Ricardo III.”

Ha protagonizado algunas de las películas más taquilleras de todos los tiempos, incluyendo la trilogía de “La guerra de las galaxias” y los filmes de Indiana Jones, y se ha convertido en una de las estrellas más exitosas de la historia del cine. En febrero de 2000 recibió del Instituto de Cine Americano el prestigioso Premio a los Logros de Toda una Vida. Anteriormente fue nominado al Oscar y al Globo de Oro por su interpretación en la célebre “Unico testigo” de Peter Weir y al Globo de Oro por su trabajo en “Sabrina”, “El fugitivo” y “La costa de los mosquitos”.

Nativo de Chicago, se trasladó a Los Angeles para comenzar su carrera de actor. Entre sus trabajos como actor se ganaba la vida como carpintero hasta que consiguió un papel en “American Graffiti”, dirigida por George Lucas. El año siguiente participó en “La conversación” de Francis Ford Coppola seguida por la producción televisiva “The Court Marshall of Lt. William Calley”, dirigida por Stanley Kramer.

En 1977 encarnó a Han Solo en “La guerra de las galaxias”, que rompió todos los récords de taquilla y estableció a Ford como una gran estrella. Retomó el mismo papel en las secuelas “El imperio contraataca” y “El regreso del Jedi”. Después dio vida a Indiana Jones en las tres taquilleras películas dirigidas por Steven Spielberg: “En busca del arca perdida”, “Indiana Jones y el templo maldito” e “Indiana Jones y la última cruzada”.

Los otros trabajos cinematográficos de Ford reflejan una amplia gama de papeles en largometrajes como “Caprichos del destino”, “Seis días y siete noches”, “Air Force One, el avión del presidente”, “Peligro Inminente”, “Juego de patriotas”, “A propósito de Henry”, “Presunto Inocente” “Frenético”, “Armas de mujer”, “Bladerunner”, “La calle del adiós”, “El rabino y el pistolero”, “Fuerza 10 de Navarone” y “Héroes”. Recientemente protagonizó con Michelle Pfeiffer “Lo que la verdad esconde”, dirigida por Robert Zemeckis.

SOBRE EL EQUIPO

Ganó su primer Oscar a los 31 años por el guión de “Patton”, que coescribió con Edmund H. North. Recibió su primera Palma de Oro en el Festival de Cannes por “La conversación”, una película que escribió y dirigió. Hasta la fecha ha dirigido 20 largometrajes, entre ellos la trilogía de “El padrino” y, más recientemente, “Drácula, de Bram Stoker” y “Legítima defensa, de John Grisham”.

Durante toda su carrera Coppola siempre ha buscado las mejores herramientas para los cineastas y es considerado un pionero del cine electrónico. Muchas de las técnicas que desarrolló se han convertido en estándar en la industria. Su productora American Zoetrope - ubicada en San Francisco –desarrolla y produce proyectos para la pequeña y gran pantalla.
Kim Aubry (Productor)
Aubry es vicepresidente de ingeniería y tecnología de American Zoetrope, un puesto que le capacitaba perfectamente para usar la nueva tecnología a beneficio de “Apocalypse Now Redux”.

En 1999 Aubry inauguró Zoetrope DVD Lab, que comercializa DVDs de éxitos de la crítica como “Apocalypse Now” y los clásicos de Coppola “La conversación” y “Tucker, el hombre y su sueño”, entre otros. Actualmente prepara la presentación en DVD de las tres películas de “El padrino” que se pondrán a la venta en otoño de 2001.

Supervisa la post-producción de todas las películas de Zoetrope y asesora a Coppola sobre las nuevas tecnologías cinematográficas. Ha sido responsable de la post-producción de “Legítima defensa, de John Grisham”, “Jack”, “El padrino III”, “Drácula, de Bram Stoker”, “La fuerza del viento” (dirigida por Carol Ballard) y la clásica película infantil “El jardín secreto”, dirigida por Agnieszka Holland.

Lleva muchos años trabajando en el desarrollo de métodos digitales y electrónicos de post-producción y ha diseñado y supervisado la construcción de numerosas instalaciones con la tecnología cinematográfica más innovadora. Ha sido ingeniero de sonido, productor de programas de radio, periodista y ha dado clases por todo el mundo.

Está casado con la montadora Diane Asnes y viven con sus dos hijos en San Francisco.